Shakespeare In Love (1998) de John Madden. USA.

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    • Titulo Original: Shakespeare In Love
    • Año: 1998 
    • Duración: 123 Min.  
    • País: USA 
    • Director: John Madden
    • Guión: Marc Norman & Tom Stoppard
    • Música: Stephen Warbeck
    • Fotografía: Richard Greatrex
    • Reparto: Gwyneth Paltrow, Joseph Fiennes, Judi Dench, Geoffrey Rush, Colin Firth, Ben Affleck, Tom Wilkinson, Simon Callow, Jim Carter, Martin Clunes, Antony Sher, Imelda Staunton, Mark Williams.

 Cine puro. Sin pretensiones hace pasar deliciosamente las dos horas que dura. Muy nominada a los Oscar tiene muchos objetores en contra. La historia es sencilla y engancha hasta el final. Los diálogos son claves en contenido y humor. No es extraordinaria pero a mi me parece muy recomendable.

La poesía, el teatro, el amor se hallan diseminados a lo largo y ancho de la vida del joven William Shakespeare en Londres cuya fortuna como escritor le es esquiva. Las escenas románticas son apasionantes, captan el halo y la imaginación de los protagonistas, William y Viola. El ambiente del Londres del siglo XVI narra por si solo los problemas de la época y también el "encanto" de una compañía teatral.

No buscar dobles lecturas, disfrutad de la película, independientemente de cualquier otro rigor histórico que no lo pretende.

joan manuel serrat - paraules d'amor

 

Ella em va estimar tant... Ella me quiso tanto...

Jo me l'estimo encara. Yo la quiero todavía.

Plegats vam travesear  Juntos atravesamos

una porta tancada.    una puerta cerrada.

           

Ella, com us ho podré dir,        Ella, cómo os lo diría,

era tot el meu món llavors        era todo mi mundo entonces,

quan en la llar cremàvem          cuando en la lumbre ardían

només paraules d'amor...         sólo palabras de amor...

           

Paraules d'amor senzilles i tendres.       Palabras de amor sencillas y tiernas.

No en sabíem més, teníem quinze anys.            No sabíamos más, teníamos quince años.

No havíem tingut massa temps per aprendre'n,  No habíamos tenido demasiado tiempo para aprenderlas,

tot just despertàvem del son dels infants.          acabábamos de despertar del sueño de los niños.

           

En teníem prou amb tres frases fetes       Teníamos bastante con tres frases hechas

que havíem après d'antics comediants.   que habíamos aprendido de antiguos comediantes.

D'històries d'amor, somnis de poetes,    De historias de amor, sueños de poetas,

no en sabíem més, teníem quinze anys...    no sabíamos más, teníamos quince años...

           

Ella qui sap on és,        Ella, quién sabe dónde está,

ella qui sap on para.     ella, quién sabe dónde para.

La vaig perdre i mai més          La perdí y nunca más

he tornat a trobar-la.    he vuelto a encontrarla.

           

Però sovint en fer-se fosc,        Pero a menudo, al oscurecer,

de lluny m'arriba una cançó.       de lejos me llega una canción.

Velles notes, vells acords,        Viejas notas, viejos acordes,

velles paraules d'amor...          viejas palabras de amor...

Titanic (1997) de James Cameron. USA

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    • Titulo Original: Titanic
    • Año: 1997 
    • Duración: 194 Min.  
    • País: USA
    • Director: James Cameron
    • Guión: James Cameron
    • Música: James Horner
    • Fotografía: Russell Carpenter
    • Reparto: Leonardo Dicaprio, Kate Winslet, Billy Zane, Kathy Bates, Frances Fisher, Bernard Hill, Jonathan Hyde, Danny Nucci, David Warner, Bill Paxton, Gloria Stuart, Victor Garber.

 

La tragedia del Titanic y en medio una historia de amor. Una película de cine en estado puro. No se hace larga. Hay que verla como se merece, en una pantalla grande y ajenos a cualquier perturbación medio ambiental. Ideal para dejar de tener miedo a navegar por el Atlántico Norte. Una joya del cine comercial sin más. Trasmite los sentimientos típicos de las historias de amor del cine clásico y se sale de la sala con agua hasta el cuello, la vi en los multicines Citté de Madrid, en la súper-pantalla y no defrauda nada si se va al cine sin raras pretensiones, a pesar de los clichés que sus detractores otorgan a “Titanic” como película excesivamente comercial, banal y ridícula.

Los efectos especiales son espectaculares, los decorados muy precisos y detallados y la banda sonora magnifica. En fin, esmerada super-mega-producción.

Requiem (2006) de Hans-Christian Schmid. Alemania Federal

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  • TITULO ORIGINAL Requiem
  • AÑO 2006
  • DURACIÓN 93 min.  
  • PAÍS: Alemania Federal. 
  • DIRECTOR Hans-Christian Schmid
  • GUIÓN Bernd Lange 
  • FOTOGRAFÍA Bogumil Godfrejów
  • REPARTO Sandra Hüller, Burghart Klaußner, Imogen Kogge, Anna Blomeier, Nicholas Reinke

Buena película sobre una familia profundamente religiosa con una hija luchando fervientemente contra su enfermedad, la epilepsia. Es dura por las paradojas que se dan entre los familiares ante una situación de crisis, ante el incipiente amor, ante la religión y ante los diversos personajes que entran en acción. Crea sentimientos dispares, ambiguos y desespera alguna que otra actitud. También encuentro puntos de convergencia, de asimilación, de incomprensibilidad. Un drama tremendo basado en un supuesto caso de posesión diabólica o del sufrimiento de una joven por su enfermedad, no deja indiferente. 

• Premios:
  •  2006. Festival de Berlín: Mejor actriz (Sandra Hüller)
  •  2006. Festival de Sitges: Mejor película y Mejor actriz (Sandra Hüller).

Rufufú (1958) de Mario Monicelli. Italia

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  • TITULO ORIGINAL: I soliti ignoti
  • AÑO 1958
  • DURACIÓN 100 min.   
  • PAÍS: Italia 
  • DIRECTOR Mario Monicelli
  • GUIÓN Mario Monicelli, Age, Scarpelli, Susso Cecchi d'Amico
  • MÚSICA Piero Umiliani
  • FOTOGRAFÍA Gianni di Venanzo
  • REPARTO Marcello Mastroianni, Vittorio Gassman, Claudia Cardinale, Totò, Tiberio Murgia, Renato Salvatori, Carla Gravina, Memmo Carotenuto 

SINOPSIS: Un grupo de ladronzuelos, aconsejados por un ladrón ya retirado, decide preparar un gran robo en las oficinas romanas del Monte de Piedad, con la esperanza de que les saque de la miseria en la que viven.

 Deliciosa comedia italiana sobre el robo de la Comadre, como la llaman "cariñosamente" a la caja fuerte del Banco. Tiene momentos históricos e inolvidables, mezcla de un humor absurdo y tragicómico que va desarrollándose sin pausa hasta el final de la película. Una amalgama de personajes pululan de aquí para allá a cual más inepto a cual más estrafalario. Es la historia de un robo, el plan y la ejecución. Sin razón a perdérsela por nada. Después... muchos remakes y semiremakes, como el caso de la famosísima “Atraco a las tres” española.

EL GOL DEL SIGLO

Yo disfruto del fútbol dentro de los límites que considero oportunos. No me avergüenzo. No soy un “hooligan”. Me gusta jugarlo y verlo. Presto también atención a otras cosas que ocurren a mí alrededor. No me considero despersonalizado, ni afecta remotamente a mi visión crítica. Soy pleno consciente de las desorbitadas fichas de los jugadores, ¿pero qué ganan algunos músicos, empresarios o actores?

El fútbol es una seña de identidad más de nuestra sociedad. Personalmente me ha unido más a otras culturas diferentes por ser un lenguaje universal. Mis sentimientos hacia mi equipo de fútbol provienen de mi infancia, de mi barrio, de mi padre.

¿Por qué voy a ocultarlo?

La Odisea (1997) de Andrei Konchalovsky. Grecia, Italia, R.Unido y USA.

• TITULO ORIGINAL: The Odyssey.
  PAIS: Grecia, Italia, Alemania, USA.
  DURACION: 173 Minutos.
  AÑO: 1997.
  DIRECTOR: Andrei Konchalovsky.
  GUION: Andrei Konchalovsky y Chris Solomine (adaptación de “La Odisea” de Homero).
  INTERPRETES: Armand Assante, Christopher Lee, Geraldine Chaplin y Isabella Rossellini.
  PRODUCTOR: Dyson Lovell, Francis Ford Coppola, Fred Fuchs y Nicholas Meyer.
  MUSICA: Eduard Artemyev.
  FOTOGRAFÍA: Sergei Kozlov. 

Sinopsis: Ulises es el rey de Ítaca. Comparte el trono con Penélope, su bella esposa, con la que tiene un hijo, Telémaco. La campaña de Troya requiere su presencia, por lo que, muy a su pesar, debe dejar a su familia y a su patria por un tiempo. 

Una serie de TV con todos los ingredientes de la aventura sobre el mito del héroe griego. Muy lograda con unos efectos especiales estupendos y una cadencia narrativa que no se pierde en ningún momento. Los decorados también son reseñables y las ambientaciones son muy sugerentes. La adaptación puede gustar o no. Es muy entretenida y no falta de nada a lo largo de tres horas de largometraje. Os recomiendo que la veáis. En Viveiro (Lugo) la encontré por 3 € en DVD en una librería de entre una maraña de películas inclasificables.

Te querré siempre (1954) de Roberto Rossellini. Italia.

• TITULO ORIGINAL: Viaggio In Italia
• AÑO: 1954
• DURACIÓN: 80 Min.
• PAÍS: Italia 
• DIRECTOR: Roberto Rossellini
• GUIÓN: Roberto Rossellini, Vitaliano Brancati, Antonio Pietrangeli
• MÚSICA: Renzo Rossellini
• FOTOGRAFÍA: Enzo Serafin
• REPARTO: Ingrid Bergman, George Sanders, Maria Mauban, Paul Muller, Anna Proclemer, Leslie Daniels

 

La mujer como deseo. Pienso en la mirada de Ingrid Bergman y siento la fascinación por su cuerpo. Cuando estuve en Stromboli (Italia), nos retratamos ante la casa que Roberto Rossellini e Ingrid Bergman compartieron durante el rodaje de Stromboli (1949), el recuerdo del rostro melancólico de “Viaggo in Italia” se convertía en cierto goce erótico propiciado al estar frente aquella casa roja en medio de un pueblo blanco y azul...la seducción de Ingrid en mi persona era inequívoca. Tengo la sensación irrenunciable de esa atracción y de esa penetración amorosa en mi imaginario sexual. Constato bellos momentos de solo pensar en ella.

Los instantes de la película “Viaggo in Italia” son sublimes, está tan bien y los efectos naturales de su interpretación  me hacen reaccionar hasta las dimensiones más imprevistas.

Embelesado con la belleza de Ingrid, me suscitó esta película muchas sensaciones. El argumento gira en torno a la relación de una pareja madura que tras años de convivencia siguen juntos por rutina, en Italia descubren que no se conocen y que se aburren. El viaje que hacen les va a resultar extraño y a la vez, fascinante. La evolución de la crisis de la pareja es claro, el deterioro y la incomunicación patente. La película esta llena de momentos impresionantes y se centra más en el punto de vista de la protagonista femenina. Hay secuencias que son terriblemente emotivas. Los silencios, propiciados por las escenas aparentemente intranscendentes, son terriblemente evocadores y me maravillo con la historia de inevitable propensión a la metáfora.

Digo que a muchos les podrá parecer aburrida, tediosa, un ladrillo tremendo pero las sensaciones personales son únicas y me dejan indemne ante otro tipo de aspiraciones entusiastas y contagiosas.

Cyrano de Bergerac (1990) de Jean-Paul Rappeneau. Francia

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  • Titulo Original: Cyrano de Bergerac
  • Año: 1990  
  • Duración: 135 Min.  
  • País: Francia. 
  • Director: Jean-Paul Rappeneau
  • Guión: Jean-Claude Carrière & Jean-Paul Rappeneau (Obra: Edmond Rostand)
  • Música: Jean-Claude Petit
  • Fotografía: Pierre Lhomme
  • Reparto: Gérard Depardieu, Jaques Weber, Vincent Pérez, Anne Brochet, Roland Bertin, Joseane Stoleru, Philippe Volter, Philippe Morier-Genoud, Pierre Maguelon. 

“Dad gracias a Dios por haberme concedido un alma lo bastante razonable para no creer todo lo que dice todo el mundo, ya que todo el mundo puede decir de todo. Si no fuera así, habría aplicado a vuestra bilis un antídoto más sólido y potente que el discurso.” Cyrano.

 

  SINOPSIS: “Cyrano es poeta y mosquetero que expresa su amor por la bella Roxane por boca de Christian, el apuesto soldado a quien ella ama...”

 Está adaptación de la obra de Rostand  de  1897 es genial. Parece ser que el productor de la película esperó hasta que los derechos de propiedad intelectual expirasen para no gastarse parte del presupuesto en ellos.He visto esta película numerosas veces.

Los diálogos en verso son apasionados, bellos, puro ingenio, emocionan. Hay que hacer mención especial al doblaje en castellano, espectacular y aunque no sé francés, parece que fielmente traducido. La obra se está representando en el Teatro Español en Madrid, tengo intención de ir a verla, cuando la haga publicaré un comentario aquí mismo.

La película está ambientada en la Guerra de los Treinta Años, en 1636 el cardenal Richelieu considera el enfrentamiento con España y el resultado fue la declaración de una dramática guerra. 

Otra mención es para la banda sonora, sensacional y reconocible aunque dicen que sospechosamente parecida a la BSO de Batman. Existe otra versión de 1950, norteamericana, interpretada por José Ferrer bastante interesante. Hay otras adaptaciones pero carecen de relevancia.

El coraje del pueblo (1971) de Jorge Sanjinés. Bolivia e Italia.

 

Año: 1971
Director: Jorge Sanjinés.País: Bolivia e Italia.Duración: 90 minutos.
Guión: Oscar Soria y Jorge Sanjinés
Producción: Grupo UKAMAU y Radio Televisión Italiana
Fotografía: Antonio Eguino
Sonido: Nilo Soruco - - -Reparto: Domitila Chungara, Vicente Verneros, Gilberto Bernal, Eusebio Gironda, Víctor Hugo Baspineiro.

  Sinopsis: En junio de 1967 en Bolivia se produce la masacre de San Juan contra los trabajadores mineros. Los personajes testimonian sus vivencias sobre los trágicos acontecimientos provocados por las fuerzas represoras del régimen, bajo el pretexto de sofocar un movimiento sindical subversivo. 

Se trata de un cine profundo, emocional, realista, documental. Es el cine preocupado por el sentimiento y la tragedia de las gentes oprimidas sin posibilidades de resarcirse, por mostrar las condiciones de miseria y explotación de las minas andinas. Es el compromiso serio del cineasta con una sociedad. Es la búsqueda de la identidad del pueblo indígena y su fase combativa.

Se la considera una obra pionera, al introducir a los protagonistas verdaderos como actores de sus propias experiencias dramáticas. Es una película muy rustica pero con una carga emocional enorme. Se rodó en cuatro meses y la productora era la RAI italiana a la que se le ocultaba la verdadera versión de la película, cuando se estrenó los ejecutivos italianos se quedaron estupefactos.   

Premios:

 MEJOR FILME de la Settima Mostra Internazionale di Pesaro 1971, Italia.  

PREMIO OCIC del XXII Festival Internacional de Cine de Berlín 1972, Alemania Federal.

PREMIO "Kantuta de Plata 1979" al Mejor Filme Boliviano. La Paz, Bolivia.

Seinfeld (1989-1999). Jerry Seinfeld. USA.

Esta serie es mi favorita, he pasado momentos tremendos con ella. Es inigualable y me troncho viendo una y otra vez los capítulos de las nueve temporadas que tiene. 

“Cada capítulo empieza y acaba en el Club donde Jerry Seinfeld (Jerry Seinfeld) presenta sus monólogos. En medio, contemplamos la vida diaria junto a su ex-novia Elaine (Julia Louis-Dreifus), su amigo de la infancia George (Jason Alexander) y su vecino pesado Kramer (Michael Richards). A todos ellos les suceden acontecimientos tan absurdos como cotidianos”.

Eso es en esencia esta serie. Cada capitulo es un caos surrealista, un enredo sobre la nada, y expone la vida simplemente.Los protagonistas son ignorantes, maniáticos y superficiales. George es neurótico, Kramer es excéntrico, Jerry es el mismo y Elaine siempre anda metida en líos.

Las actuaciones televisivas de la serie en EE.UU. fueron espectaculares. Inauditas e innovadoras. Los acontecimientos que suceden son tan irrazonables que es imposible relatar bajo pena de no saber hacerlo bien. Las reflexiones, traumas, envidias y dilemas diminutos que cercan a los protagonistas resultan estúpidos pero que son una sintomatología de nuestro tiempo. Yo no encuentro ningún defecto a la serie, está contenido lo cotidiano esencialmente, eso si con curiosos efectos. Me acuerdo de los capítulos y reverencio a Seinfeld. La serie detecta extraordinariamente los microcosmos que configuran nuestro devenir. Los extraños rituales de los personajes son los deseos y frustraciones del ser humano. Las sendas sinuosas de los valores de la existencia humana obligan a pensar en el capricho y la ostentación de esta sociedad. Es la sofisticación de la mamarrachada y de lo preeminente en cada cual.

En 1998, Jerry Seinfeld se negó a aceptar la oferta de grabar una temporada más para la TV por cinco millones de dólares por episodio, otro dato más de un autor tan amante de gestos como de esplendidas complejidades.

Lamentations over the Death of the First Born

Charles Sprague Pearce (1877)

Mi niña

De repente se fue para siempre. J ha muerto. Dejó de vivir, a las dos horas de una inesperada y absurda operación quirúrgica. Se puso mala el viernes y nos dejó el lunes 19. Hundidos. He visto lágrimas en mi hijo de cuatro años… en la inmensa mayoría de los que la queríamos.

No imaginaba un dolor tan grande. Un golpe tan certero al corazón… un golpe muy, muy fuerte.

En las infinitas posibilidades de coincidir con la muerte no puedo evitar contemplar este desencuentro como malvado. Fundamental era J. para nosotros como efímera es la vida. La mala partida para siempre de mi amiga fiel me inunda de tristeza estos días y no me faltan las críticas de lo que podría haber hecho pero me abandono a la idea de recordar los años juntos.

Ahora me doy cuenta que hay gente que no comprende el amor hacia un perro, en esos falsos tonos de sentimiento, ¡tan superfluos! No resultan nada gratificantes esas escenas de inconvicciones conmovedoras. Por el contrario, siempre quedan esos otros compromisos sinceros que te vuelcan su fuerza. Suelen coincidir con los que han tenido un perro o un gato alguna vez… ¡minúsculos detalles!

No quiero abandonar mis sentimientos ni comercializar mi pesar, mi duelo necesario. No añadir drama pero la ensoñación no acaba y donde pueda llegar mi definitivo rumbo irá acompañado de mi perra  J.

En mi actual desolado estado de ánimo, no me abandonan los recuerdos que nos unían y recorrer el pasado es volver a escribir otra historia, conceder importancia a las pequeñas cosas, a nuestros espacios interiores en la cocina de casa, a atender a los fragmentos de felicidad con una pelota de goma. Cualquier mirada atrás sensibiliza mi piel y me digo que ya no tendrá sentido ninguna caminata por el campo, por el parque. Sin su compañía nada será lo mismo. La constante por avanzar por los caminos ¿cómo podré recuperarla? Mi visión del paisaje era tan estrecha a su presencia, a su huella de perro.

El esfuerzo por continuar se halla más allá, lo encontraré en mis hijos con los que podré cubrir su ausencia desorbitada.

La llevé al pueblo donde nació mi padre ese mismo lunes fatídico, era de noche, cavamos un agujero azotados por la lluvia y por el frío de la meseta castellana, a las 22,40 la dimos sepultura. La barrera humana había desaparecido y los vestigios dolientes y tangibles de dolor se extendían por el campo oscuro. Estaban mi madre y mi hermano conmigo, el resto en Madrid secando los ojos de dolor.

He leído que existe una leyenda que cuando te mueres, los perros que has cuidado en vida están esperándote para acompañarte a cruzar el "túnel" y no tengas miedo. Me gustaría que fuera cierta, si no estaré buscando a  J. en la eternidad de los tiempos.

 +

J. nació el 28 de Marzo de 2000. Ha muerto el 19 de Noviembre de 2007.

La muerte de un burócrata (1966) de Tomás G. Alea. Cuba.

 

• Titulo original: La muerte de un burócrata
• Año: 1966 
• Duración: 85 min.
• País: Cuba 
• Director: Tomás G. Alea
• Guión: Tomás G. Alea & Alfredo del Cueto
• Música: Leo Brouwer
• Fotografía: Ramón Suárez
• Reparto Salvador Wood, Silvia Planas, Manuel Estanillo, Gaspar De Santelices, Carlos Ruiz De La Tejera.

SINOPSIS: “Un obrero ejemplar es enterrado con su carnet laboral en reconocimiento a sus méritos, pero su viuda no puede cobrar la pensión sin este documento.”

Desde mi punto de vista una de las mejores películas cubanas, una comedia de humor negro, irónica y crítica con la burocracia. Hay secuencias tremendas que rozan el absurdo pero tremendamente divertidas. La solución simple de un trámite se convierte en una odisea. El argumento gira en torno a un difunto y los problemas derivados con el papeleo, las gestiones a realizar para obtener un certificado de exhumación, marchas fúnebres incluidas, peleas por enterrar o no enterrar y una almagama de variopintas situaciones esperpénticas. La comicidad no tiene limite, no se la pierdan.
Años después Alea hará un remake con “Guantanamera” (1996), con producción española y codirigida con Juan Carlos Tabío. Diferente.

Tiempos modernos (1936) de Charles Chaplin. USA.

• Titulo Original: Modern Times
• Año: 1936
• Duración: 89 Min. 
• País: Usa
• Director: Charles Chaplin
• Guión: Charles Chaplin
• Música: Charles Chaplin
• Fotografía: Rollie Totheroh & Ira Morgan.
• Reparto: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Henry Bergman, Chester Conklin, Stanley Stanford, Hank Mann, Louis Natheaux, Allan Garcia.

SINOPSIS: Un obrero de la industria del acero acaba perdiendo la razón, extenuado por el frenético ritmo de la cadena de montaje de su trabajo.

Película de 1936 sobre la explotación capitalista desde una perspectiva socialmente comprometida, entretenida aunque tiene momentos que se hacen pesados. Los veinte primeros minutos son magistrales. A pesar de todo, hay que verla desde la época en la que fue rodada, como cine mudo, en blanco y negro, y en el desarrollo inicial de la industria del cine.

La preocupación de Chaplin por las consecuencias que el sistema capitalista producía en los obreros es patente, es crítico contra la mecanización y la especialización que imponen las maquinas. Memorables son las escenas de Chaplin apretando tuercas a diestro y siniestro o cuando le engulle literalmente el engranaje de la maquinaria.

Es cómica, te diviertes un rato y tiene una historia de amor por medio de todo esto de dos seres marginados por el capitalismo salvaje.

He leído que “Se le acusó de plagio por copiar cosas de “A Nous la liberté” de René Clair (1931), pero todo acabó con el Sr. Clair diciendo que en todo caso, se sentiría honrado de que esto fuera".

La mirada de Ulises

Pensaba que tenía opciones pero siento nostalgia por el pasado. Planteo mis soluciones a los problemas a través de decisiones equivocadas. Así, no puedo entender el futuro.

El cumpleaños de Kahsi fue en la casa de campo de Bisset que la había prestado para una traslación de circunstancias en un momento preciso. La casa de Bisset ocupa un lugar que conlleva una invitación a la imaginación, con vistas al bosque, a las praderas verdes y al atardecer del otoño.

Se fundamentó la fiesta en la constatación de unas multitudinarias manifestaciones de alegría  y la abundancia de alcohol. Entre los invitados, Kahsi y Pesmer, que adolecían de cierta pobreza melódica. La influencia de sus conversaciones iniciales o como quiera que se llamen, me llevaron a entonar diversas canciones populares. La historia de Kahsi y Pesmer era como mirar cada uno en una dirección. Por otra parte, la belleza de los paisajes y la alegría de los convidados era un escenario entero de situaciones impredecibles. Kahsi se intentaba involucrar en la dinámica de pareja y Pesmer ilegalizaba la situación, oculto entre su iniciativa extraña de quedarse solo  en un rincón, simulando abstraerse.

Confirmado que lo imprescindible eran las pautas serenas que el espacio rustico de la casa permitía, la comida generó una extensa sobremesa. Las situaciones estaban más atentas al tambaleo de la insensatez que al convencionalismo. Y así es cómo las contradicciones explotan. Pesmer se propuso dedicar a desaparecer minuciosamente de la fiesta y Kahsi, sin más intermediarios, a través de su mirada inocente e infantil, se desahogaba cada vez más en el caldeado clima nocturno. Kahsi, más guapa, reía mientras sus rizos pendían sobre su frente y Aliance, un guapo imaginario que pululaba esa noche, se le fue adelantando a su piel la llegada de la primavera.  

Los espacios de intensidad lírica, ya alrededor de la chimenea, y con Pesmer en fuera de juego, y la confusión que se desperdigaba por el salón, debido profusamente a una música parecida a la fanfarria balcánica, ayudaban a una cordialidad más allá de la mera amistad. Pesmer no supo encontrar una secuencia favorable ese fin de semana y Kahsi experimentó su adornado romanticismo con Aliance.

En esta futilidad de la existencia, el deseo no deja de crecer y uno lamenta no rememorar esas sensaciones más a menudo. En esta mezcla de realismo e hiperrealismo, Kahsi y Aliance se deslizaron escaleras abajo. Se encontraron en una situación temporal propicia, destilando química pura y sacando adelante, pese a las apariencias, un romance salvaje que era una recopilación de amor regalado.

Al día siguiente, el clímax de la noche anterior abrió paso a la realidad definitiva. Kahsi y Pesmer, con sus interpretaciones intimas. Juntos de la mano como dos enamorados.

Psicosis (1960) de Alfred Hitchcock. USA

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  • Titulo original: Psycho
  • Año: 1960  -  Duración: 109 min. 
  • País: USA 
  • Director: Alfred Hitchcock.
  • Guión: Joseph Stefano (novela: Robert Bloch). Música: Bernard Herrmann.
  • Fotografía: John L. Russell
  • Reparto: Anthony Perkins, Janet Leigh, John Gavin, Vera Miles, John Mcintire, Martin Balsam, Simon Oakland.

 “Una joven secretaria, tras cometer un robo, se marcha de la ciudad y conduce durante horas, parando para descansar en un pequeño motel de carretera…”, esta película es magnifica, aterradora y harta de suspense. Rezuma Freud por toda la cinta. Una clásica del maestro Alfred Hickcock.

La magnífica banda sonora, tan descomunal como asociada a la película, produce tensión a mares y la experiencia es que nos insufla cantidades considerables de angustia.

Janet Leigh está buenísima y a los tres cuartos de hora se la carga Hickcock y comienza una nueva película. Sería asombroso encontrar a alguien que no la hubiera visto todavía, ha sido pasada por TV miles de veces. El papel de Anthony Perkins le marcaría de por vida, quedaría ensamblado al personaje de Norman Bates. 

La archiconocida escena de la ducha es inigualable, el violín nos mantiene toda la escena sin aliento describiendo siniestramente los gritos mudos de Leigh. Las obsesiones del personaje de Perkins te dejan clavado, inquieto.

el remake de Psicosis de  Gus Van Sant es curioso, es exacta a la original, solo que rodada en color. Creo que no se ha hecho nada igual nunca.

The Clash (1976-1985).

The Clash (1976-1985) se convirtió en el grupo punk que reflejaba el trauma social de los últimos años 70, a diferencia de otras bandas punk, The Clash incorporaban otros estilos musicales. En 1977 en la revista músical NMV se podía leer “The Clash es la típica banda de garaje que debería rápidamente regresar a su garaje, preferiblemente con la puerta cerrada y el motor encendido”. En 1979 sacaron su famoso “London Calling”.

La realidad era opresiva y la desilusión  estaba instaurada en los jóvenes que buscaban su identidad en medio del sistema capitalista y en plena guerra fría. Las canciones de The Clash eran una forma de acción política en medio de aquella efervescencia cultural decadente, muy decadente. Los mensajes lanzados por los jóvenes punks eran devastadores: “ Nos gusta beber, emborracharnos” cantaban los Sex Pistols. Era el No-Futuro. Por entonces no era posible escapar del pesimismo subversivo, los escenarios reales eran el desempleo y la droga.

The Clash intenta construir un mensaje a través de la energía del punk y el desarrollo de otras vertientes musicales.

The Jam (1977-1982)

The Jam fue un grupo que existió de 1977 a 1982, el líder de la banda era Paul Weller y siguió el camino en solitario evolucionando con sobresaliente éxito hasta la actualidad. Los otros dos miembros del grupo, el batería Rick Buckler y el bajista Bruce Foxton se estrellaron una y otra vez contra sus limitaciones. El talento lo imponía Weller.

En los ochenta, The Jam era muy pinchado en el Splass (C/Galileo de Madrid) o en el antiguo Biombo Chino y guardo en la memoria tanto de aquellas maravillosas canciones combativas como el sentido de identidad que nos proporcionaba la música mod.

Los sentimientos cuando escucho a The Jam están mezclados con la nostalgia y con la gran mayoría de mis amigos de aquella época que ya no veo, uno de ellos con la novia Goya.  

La identificación de muchos jóvenes a los temas de Paul Weller, como en esa canción “The Eton Rifles” en la que Paul Weller se inspiró tras ver a unos alumnos de una universidad de clase alta mofarse de una manifestación contra el desempleo, fue convertirse a la idea combativa de los mods.

 Esta noche tocan en Madrid lo que queda de aquello, “From The Jam” se llama, sin Weller. Leo que van a tocar todas las canciones del grupo con rigurosa exactitud. Faltará el talento indudable de Paul Weller pero Buckler y Foxton tratarán de que la memoria perdure en quienes tengan el privilegio de estar en el concierto.

300 (2007) de Zack Snyder. USA

 

Titulo original: 300 (three hundred) Año: 2007   Duración: 117 min.   País: USA  Director: Zack Snyder Guión: Zack Snyder, Kurt Johnstad (cómic: Frank Miller, Lynn Varley) Música: Tyler Bates

Fotografía: Larry Fong

Reparto: Gerard Bbutler, Lena Headey, David Wenham, Dominic West, Vincent Regan, Rodrigo Santoro, Michael Fassbender, Andrew Tieman, Andrew Pleavin, Tom Wisdom, Tim Conolly, Tyler Max Neitzel, Mercedes Leggett.

SINOPSIS: Adaptación del cómic de Frank Miller sobre la batalla de las Termópilas, ocurrida en el año 480 A.C. durante las Guerras Médicas, en las que Jerjes, emperador de Persia, trataba de conquistar Grecia. Atenas consiguió convencer a Leónidas I, rey de Esparta, para que participase en la guerra contra los persas. Así, el rey Leonidas y 300 espartanos se enfrentan a un inmensamente superior ejército persa...

 Entretenida adaptación. Efectivamente la historia esta tergiversada pero no creo que se haya querido tener fidelidad histórica, es como en las narraciones épicas medievales que se exacerbaban las hazañas de los caballeros contra el ejercito enemigo. “300” es una exaltación deslumbrante de los héroes espartanos, el del sacrificio por el bien común. Repito, no es una película histórica.

La película se me hizo corta, el ritmo narrativo no tiene altibajos y engancha hasta el final. Es curioso entrar en algunos foros, hay opiniones para todos los gustos. No pasa lo que se dice desapercibida. Muchos ven mensajes subliminales por doquier. Creo que es más simple que todo eso. Es fantasiosa, saturada de violencia, escenarios irreales llenos de imágenes impactantes y vertiginosos efectos especiales. En cine no todo puede ser rigor histórico, se trata de verla como una fábula, una leyenda, está basada en un comic y de lo que se trata es que nos entretenga.

La banda sonora con guitarra eléctrica incluida produce una fusión intemporal, es un planteamiento atrevido.

Ahora estoy pensando en otra película, “El león de Esparta”. Que cada cual la interprete a su gusto.