películas

Psicosis (1960) de Alfred Hitchcock. USA

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  • Titulo original: Psycho
  • Año: 1960  -  Duración: 109 min. 
  • País: USA 
  • Director: Alfred Hitchcock.
  • Guión: Joseph Stefano (novela: Robert Bloch). Música: Bernard Herrmann.
  • Fotografía: John L. Russell
  • Reparto: Anthony Perkins, Janet Leigh, John Gavin, Vera Miles, John Mcintire, Martin Balsam, Simon Oakland.

 “Una joven secretaria, tras cometer un robo, se marcha de la ciudad y conduce durante horas, parando para descansar en un pequeño motel de carretera…”, esta película es magnifica, aterradora y harta de suspense. Rezuma Freud por toda la cinta. Una clásica del maestro Alfred Hickcock.

La magnífica banda sonora, tan descomunal como asociada a la película, produce tensión a mares y la experiencia es que nos insufla cantidades considerables de angustia.

Janet Leigh está buenísima y a los tres cuartos de hora se la carga Hickcock y comienza una nueva película. Sería asombroso encontrar a alguien que no la hubiera visto todavía, ha sido pasada por TV miles de veces. El papel de Anthony Perkins le marcaría de por vida, quedaría ensamblado al personaje de Norman Bates. 

La archiconocida escena de la ducha es inigualable, el violín nos mantiene toda la escena sin aliento describiendo siniestramente los gritos mudos de Leigh. Las obsesiones del personaje de Perkins te dejan clavado, inquieto.

el remake de Psicosis de  Gus Van Sant es curioso, es exacta a la original, solo que rodada en color. Creo que no se ha hecho nada igual nunca.

300 (2007) de Zack Snyder. USA

 

Titulo original: 300 (three hundred) Año: 2007   Duración: 117 min.   País: USA  Director: Zack Snyder Guión: Zack Snyder, Kurt Johnstad (cómic: Frank Miller, Lynn Varley) Música: Tyler Bates

Fotografía: Larry Fong

Reparto: Gerard Bbutler, Lena Headey, David Wenham, Dominic West, Vincent Regan, Rodrigo Santoro, Michael Fassbender, Andrew Tieman, Andrew Pleavin, Tom Wisdom, Tim Conolly, Tyler Max Neitzel, Mercedes Leggett.

SINOPSIS: Adaptación del cómic de Frank Miller sobre la batalla de las Termópilas, ocurrida en el año 480 A.C. durante las Guerras Médicas, en las que Jerjes, emperador de Persia, trataba de conquistar Grecia. Atenas consiguió convencer a Leónidas I, rey de Esparta, para que participase en la guerra contra los persas. Así, el rey Leonidas y 300 espartanos se enfrentan a un inmensamente superior ejército persa...

 Entretenida adaptación. Efectivamente la historia esta tergiversada pero no creo que se haya querido tener fidelidad histórica, es como en las narraciones épicas medievales que se exacerbaban las hazañas de los caballeros contra el ejercito enemigo. “300” es una exaltación deslumbrante de los héroes espartanos, el del sacrificio por el bien común. Repito, no es una película histórica.

La película se me hizo corta, el ritmo narrativo no tiene altibajos y engancha hasta el final. Es curioso entrar en algunos foros, hay opiniones para todos los gustos. No pasa lo que se dice desapercibida. Muchos ven mensajes subliminales por doquier. Creo que es más simple que todo eso. Es fantasiosa, saturada de violencia, escenarios irreales llenos de imágenes impactantes y vertiginosos efectos especiales. En cine no todo puede ser rigor histórico, se trata de verla como una fábula, una leyenda, está basada en un comic y de lo que se trata es que nos entretenga.

La banda sonora con guitarra eléctrica incluida produce una fusión intemporal, es un planteamiento atrevido.

Ahora estoy pensando en otra película, “El león de Esparta”. Que cada cual la interprete a su gusto.

Playtime (1967) de Jacques Tati. Francia.

• TITULO ORIGINAL Playtime
  AÑO 1967
  DURACIÓN 167 min.  
  PAÍS:Francia 
  DIRECTOR Jacques Tati
  GUIÓN Jacques Tati & Jacques Lagrange
  MÚSICA Francis Lemarque
  FOTOGRAFÍA Jean Badal & Andréas Winding
  REPARTO Jacques Tati, Barbara Dennek, Jacqueline Lecomte, Valérie Camille, France Rumilly, Rita Maiden, Erika Dentzler, Nicole Ray, Billy Kearns, Georges Faye, John Abbey.

Quiero hablar del modo de romper moldes en cine...el cine como propagación de resistencia a los modos de manipulación.
Jacques Tati lo conocí gracias a Miguel, del barrio, cuando me comentó de un ciclo de la 2 de TVE que lo estaba echando. Allí vi por vez primera “Las vacaciones del señor Hulot” y fue mi descubrimiento de las potencialidades ocultas del cine. “Playtime” fue un rotundo fracaso comercial y un autentico problema de deudas para el director y actor, un estrambótico personaje que arriesgó su fortuna en “Playtime”, su filme de total implicación y de dolorosa correspondencia con el éxito de publico.

La película es genial, exponente agotador de un viaje sin limites donde el espectador puede escoger distintos puntos de vista. Es la obra maestra, el emblema del cine de Tati. Un humor raro, con su propia identidad y crítico con las perspectivas de prosperidad que los avances tecnológicos auguraban. Un delicioso perfeccionista en la convicción del poder evocador del lenguaje del cine.

El personaje protagonista, el señor Hulot, es una apuesta aguda del enorme valor de la exactitud y de las incomodas sensaciones de los convencionalismos. En fin, podría seguir...porque soy INCONDICIONAL de Tati al que recurro a visitar como la poesía se proyecta en el deseo de recrear belleza.

Blade Runner (1982) de Ridley Scott. USA.

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  • Titulo Original: Blade Runner.
  • Año: 1982. 
  • Duración: 112 min.  
  •  País: Usa 
  • Director: Ridley Scott.
  • Guión: David Webb Peoples & Hampton Fancher (Novela: Philip K. Dick).
  • Música: Vangelis.
  • Fotografía: Jordan Cronenweth.
  • Reparto: Harrison Ford, Sean Young, Daryl Hannah, Rutger Hauer, Edward James Olmos, Joanna Cassidy, Brion James, Joe Turkel.

 

Sinopsis:A principios del siglo XXI, la poderosa Tyrell Corporation desarrolló un nuevo tipo de robot llamado Nexus, un ser virtualmente idéntico al hombre y conocido como Replicante. Los Replicantes Nexus-6 eran superiores en fuerza y agilidad, y al menos iguales en inteligencia, a los ingenieros de genética que los crearon. En el espacio exterior, los Replicantes fueron usados como trabajadores esclavos en la arriesgada exploración y colonización de otros planetas. Después de la sangrienta rebelión de un equipo de combate de Nexus-6 en una colonia sideral, los Replicantes fueron declarados proscritos en la Tierra bajo pena de muerte. Brigadas de policías especiales, con el nombre de Unidades de Blade Runners, tenían órdenes de tirar a matar al ver a cualquier Replicante invasor.

 

El género de ciencia-ficción es uno de mis favoritos. Esta película la vi hace muchos años y la he vuelto a ver con otros ojos. Me ha gustado menos que la primera vez.

La idea de futuro de Ridley Scott es decadente, toda la película es nocturna y la ciudad esta plagada de luces de neón y vallas publicitarias descomunales, contaminación por gases y suciedad en las calles, una sórdida ambientación para una ciudad de Los Ángeles corrompida y siniestra.

La banda sonora está a lo largo y ancho de toda la película, y ayuda a colocarnos en una situación de desazón tremenda. La ciudad esta presidida por una lluvia gris que todo lo inunda. El futuro es incierto, el porvenir está en la oferta publicitada de una nueva vida mejor en el espacio exterior y los garitos infectos de tráfico de órganos artificiales muestran el devenir de una sociedad putrefacta. El protagonista, que mata sin remordimientos por la espalda a los replicantes, también se involucra en este panorama. Al final, no sabemos si él mismo es un replicante, sobre todo si vemos la versión modificada por Ridley Scott, diferente de la estrenada en 1982.

La necesidad de trascendencia de los replicantes da lugar a un cierto debate: el desarrollo de los robots inteligentes para ser esclavos, ¿es de justicia?, el hecho que un ser artificial genere emociones, ¿le da derechos? …preguntas que en un futuro no serán mera conjeturas.

Alien, el octavo pasajero (1979) de Ridley Scott. Reino Unido.

 

• Titulo original: Alien
• Año: 1979
• Duración: 116 min.  
• País: Reino Unido. 
• Director: Ridley Scott
• Guión: Dan O'bannon (novela: Joseph Conrad)
• Música: Jerry Goldsmith
• Fotografía: Dereck Vanlint & Denys Ayling
• Reparto: Sigourney Weaver (impresionante), John Hurt, Yaphet Kotto, Tom Skerritt, Veronica Cartwright, Harry Dean Stanton, Ian Holm. 

Sinopsis:De regreso a la Tierra, la nave de carga Nostromo interrumpe su viaje y despierta a sus 7 tripulantes. El ordenador central ha detectado una misteriosa transmisión, de una forma de vida desconocida, procedente de un planeta cercano. Obligados a investigar el origen de la comunicación, la nave se dirige al extraño planeta… 

Un clásico de la ciencia-ficción, terror y suspense en toda regla. He leído que esta basada en una secuela de películas de la década de los 60, a saber: “The terror from beyond space” (Edward L Cahn, 1958), de “Terrore nello spazio” (Mario Bava, 1965) y de “The green slime” (Kinji Fukasaku, 1968). Será interesante hacerse con ellas.

El octavo pasajero es recogido “accidentalmente”, es inhumano e invencible, desconocido para nosotros al que no le vemos hasta muy entrada la película, eso nos lleva a imaginar, a sentir terror, a estar incómodos, a llevarnos algún que otro susto. Es el miedo a lo invisible. El alien irá evolucionando, su desarrollo va desde el parasitismo inicial hasta la depredación total. Es curioso lo que alguien ha hecho notar en algún foro de cine "todas sus víctimas pecan de algún defecto humano: el curioso Kane (John Hurt), el imprudente Brett (Harry Dean Stanton), el osado Dallas (Tom Skerrit), la miedosa Lambert (Cartwright) y el indeciso Parker (Yaphet Koto)”.

La nave espacial donde se desarrolla la acción es otro modelo de nave a la del tipo “2001”, está más en la línea de la futura “Blade Runner”, Nostromo es una nave oscura y claustrofóbica que ayuda a mantener el suspense, da la sensación de suciedad todo lo contrario al orden meticuloso de Hall.

Una noche en la ópera (1935) de Sam Wood. USA

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  • Título original: A night at the opera
  • Año: 1935   Duración 94 min.   País: USA 
  • Director: Sam Wood Guión: George S. Kaurman y Morrie Rysking
  • Música: Herbert Stothart
  • Fotografía: Merrit B. Gerstad 
  • Reparto: Groucho Marx, Harpo Marx, Chico Marx, Margaret Dumont, Kitty Carlisle, Allan Jones, Sig Ruman, Walter Woolfking, Edward Keane

  Lo que se dice una película de risa. Ver a mi padre descojonarse con esta película me divertía también mucho. Inolvidable. El humor irónico, rápido y despiadado de Groucho Marx contra la aristocracia rezuma por los cuatro costados. Sus expresiones están en línea con el surrealismo, se han hecho famosas y algunas escenas son imborrables.

Contras:

1.  
   1. Los números musicales son largos y tediosos.
   2. Algún fallo de montaje que hace que algunas escenas se corten de repente o se engarcen en el que ni siquiera están en la misma posición los actores.
   3. Los secundarios están insulsos, exceptuando a Margaret Dumont.

 He sacado algunos diálogos trepidantes de “Una noche en la ópera”, no se pueden olvidar:

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  • -“la parte contratante de la primera parte…”
  • -"Estaba con esa mujer porque me recuerda a usted... sus ojos, su cara, su risa... todo me recuerda a usted... excepto usted."
  • -"Como pienso despacio, necesito todo el día."
  • -"Si me despide, retiro mi proposición de matrimonio."
  • -“Soy el ayudante del plomero.
     -Tenía el presentimiento de que iba usted a venir.”
  • -“Hasta luego cariño... ¡Caramba!, la cuenta de la cena es carísima... ¡Es un escándalo!... ¡Yo que tú no la pagaría!"
  • -“ Recordad que estamos luchando por el honor de esa mujer, lo que probablemente es más de lo que ella hizo nunca por sí misma."
    -“Oiga mozo, ¿y no sería más fácil que en lugar de intentar meter mi baúl en el camarote, metiera mi camarote dentro del baúl?"
  • -Groucho Marx, en la entrada de la Scala, regaña al cochero y le espeta: “¡Eh, oiga! ¡Le dije que fuera más despacio; por su culpa tengo que oír la ópera!”

 Se cuenta que el guionista, harto de que improvisaran los hermanos Marx hizo trizas el guión y lo pegó con cola en el techo del famoso camarote. Otra curiosidad es sobre Margaret Dumont, Groucho dijo que "era una gran dama, murió en la miseria y actuaba junto a él porque no entendía sus chistes".

 

El Dorado (1988) de Carlos Saura. España.

• Año: 1988  
• Duración: 123 min.  
• País: España 
• Director: Carlos Saura
• Guión: Carlos Saura
• Música: Alejandro Massó
• Fotografía: Teo escamilla
• Reparto: Omero Antonutti, Inés Sastre, Lambert Wilson, José Sancho, Francisco Algora, Eusebio Poncela, Gabriela Roel, Feodor Atkine.

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La historia de Lope de Aguirre sobre su expedición en el siglo XVI en Sudamérica, tras separarse de la expedición de Gonzalo Pizarro intentó descubrir la mítica ciudad de El Dorado perdida en el Amazonas. Desde Perú hasta la desembocadura del río en el océano.

Tiene que haber obligatoriamente referencia a la Película de Werner Herzog de 1973. Se trata de dos películas sobre el mismo tema, distintas de enfoque pero magnificas. La interpretación del Lope de Aguirre de Omero Antonutti en la de Carlos Saura es impresionante, a la altura del de Klaus Kinski en “Aguirre, la cólera de Dios”. Puede haber dudas por cual de los dos nos decantamos pero en mi opinión, están los dos que se salen. El resto de los intérpretes son sólidos, mención especial a Eusebio Poncela. El único contra a mi parecer en “El Dorado”, es la interpretación de Inés Satre que flojea un poco. La búsqueda de la quimera de El Dorado es la historia de la aventura humana como es la aventura espacial o fue la conquista de los polos. En el siglo XVI aventurarse por el Amazonas con 300 hombres pertrechados de armaduras de hierro y caballos era una locura propia del deseo inquebrantable del espíritu humano.

Esta película esta infravalorada, fue un rotundo fracaso comercial y de crítica pero creo se trata de una obra maestra, de una ambientación rigurosa y de una fidelidad a los hechos históricos estricta.

Senderos de gloria (1957) de Stanley Kubrick. USA

• TITULO ORIGINAL Paths of Glory
• AÑO 1957
• DURACIÓN 86 min.  
• DIRECTOR Stanley Kubrick
• GUIÓN Stanley Kubrick, Calder Willingham, Jim Thompson  (Novela: Humphrey Cobb)
• MÚSICA Gerald Fried
• REPARTO Kirk Douglas, Ralph Meeker, Adolphe Menjou, George MacReady, Wayne Morris, Richard Anderson, Joseph Turkel, Timothy Carey, Peter Capell, Susanne Christian, Bert Freed, Emile Meyer

Francia 1916, el coronel Dax (Kirk Douglas) intenta conquistar la inexpugnable colina ocupada por los alemanes. Las tropas francesas tienen que retroceder. Ante esa derrota, el alto mando francés decide castigar a sus soldados. 

La canción de la prisionera alemana ante los soldados franceses es emocionante, un final intenso. Ella se pone a llorar ante los abucheos de los soldados franceses que la piden que cante. Cuando comienza a cantar, todos guardan silencio ante la dulzura de la chica.

No os va a defraudar, es inolvidable.

Es una crítica demoledora contra el cinismo de las guerras, contra la brutalidad sin sentido de generales cobardes, una reflexión desesperada de Kubrick por la Paz. La película tiene una carga emocional tremenda con un mensaje claro y rotundo.

Los 86 minutos que dura la película se hacen cortos. Cada momento es imborrable, de un realismo asombroso y de máxima tensión. Los diálogos impresionantes, geniales  y  memorable es con el que el coronel Dax recuerda al general la frase de: "el patriotismo es el último reducto de los canallas”.

Battle at Kruger (2004) de Jason275. USA.

De entre de los entresijos de internet, entre los reenvios que nos atiborran de sandeces,  a veces se encuentran maravillas insospechadas. El video de YouTube “Battle at Kruger”, http://www.youtube.com/watch?v=LU8DDYz68kM , ha tenido un record de visitas y más de 16.097 comentarios hasta este preciso momento. Es un simple video grabado por un videoaficionado que muestra el enfrentamiento entre unos animales salvajes en África: una cría de búfalo es atacada por unos leones, un cocodrilo luchará por la presa contra los leones, en un momento dado vuelve a aparecer la manada de búfalos, en mayor número, que regresan a salvar a la cría.

Esta historia, perfecta de un western, tiene como singularidad que está grabada en un plano secuencia único de casi ocho minutos, sin montaje de ningún tipo. Es emocionante verlo y carece de los preparativos de los documentales de fauna al uso de la TVE2 o de Discovery Channel. La película no tiene desperdicio y no está falseada por el montaje, lo que hace que nos maravillemos. Es un ejemplo de lo que con medios precarios y mucha suerte puede suceder con una pequeña cámara.

El libro negro (2006) de Paul Verhoeven. Holanda.

• TITULO ORIGINAL Zwartboek (Black Book)
• DURACIÓN 135 min.
• PAÍS  Holanda
• DIRECTOR Paul Verhoeven
• GUIÓN Paul Verhoeven, Gerard Soeteman
• MÚSICA Anne Dudley
• FOTOGRAFÍA Karl Walter Lindenlaub
• REPARTO Carice van Houten, Thom Hoffman, Gijs Scholten van Aschat, Jochum ten Haaf, Halina Reijn, Sebastian Koch, Waldemar Kobus

 

Una buena película sobre la II Guerra Mundial. La resistencia holandesa en lucha contra la ocupación alemana. Un drama con toda una serie de episodios complejos y  de desarrollo espectacular. Se muestran las dos caras del conflicto, el lado humano y la deshumanización de la guerra, en todos los bandos: judíos, resistencia holandesa y nazis.

 Me ha encantado y se pasan las más de dos horas empapados en intriga y sorpresas. La protagonista femenina está brillante y hay que estar muy atento a sus intervenciones.

En fin, se trata de una película europea sin buenos buenos ni malos malos, un cine de intriga lleno de emoción.

La chaqueta metalica (1987) de Stanley Kubrick. Reino Unido

 

TITULO ORIGINAL Full Metal Jacket

AÑO 1987   

DURACIÓN 120 min.

PAÍS: REINO UNIDO DE LA GRAN BRETAÑA 

DIRECTOR Stanley Kubrick

GUIÓN Stanley Kubrick, Michael Herr, Gustav Hasford (Novela: Gustav Hasford)

MÚSICA Abigail Mead

REPARTO Matthew Modine, Vincent D'Onofrio, Adam Baldwin, R. Lee Ermey, Dorian Harewood, Arliss Howard, Kevyn Major Howard, Ed O'Ross, Gary Landon Mills, Sal López, John Stafford, Kieron Jecchinis, Ngc Le, Papillon Soo Soo. 

El duro entrenamiento al que se ven sometidos los reclutas por parte del sargento Hartman en la primera parte de la película es imborrable, un infierno tremendo donde los reclutas se van transformando en maquinas de matar, en marines, todo ello aderezado por los improperios e insultos del sargento. Parece ser que Lee Ermey, el sargento del campamento, no tuvo necesidad de memorizar su papel ya que le salía espontáneamente, de manera natural. Las situaciones cuarteleras son extrañamente divertidas, hilarantes, mezcladas con pasajes estremecedores. Ahora que estoy escribiendo esto, un compañero de trabajo me dice que es más película Platoon, literalmente, de aquí a Sebastopol.

En fin, encontrando por ahí os paso la bienvenida que hace el sargento Hartman al pelotón de reclutas:  

-¡Soy el sargento de artillería Hartman, vuestro instructor jefe! ¡A partir de ahora únicamente hablareis cuando se os hable, y la primera y la última palabra que saldrá de vuestros sucios picos será "señor", ¿me entendéis bien capullos?!

-(Todos): ¡Señor, si señor!

-¡Qué coño, no os oigo, gritad como si tuvierais huevos!

-(Todos): ¡Señor, si señor!

-¡Si algunos de vosotros, nenas, sale de esta isla, si sobrevivís al entrenamiento, seréis como armas, ministros de la muerte, siempre en busca de la guerra! ¡Pero hasta que llegue ese día sois una cagada, lo más bajo y despreciable de la tierra, ni siquiera algo que se parezca a un ser humano! ¡Sólo sois una cuadrilla de desgraciados, una panda de mierdas inútiles pasados por agua! ¡Como soy muy duro sé que no voy a gustaros, pero cuanto peor os caiga mejor aprenderéis! ¡Soy duro pero soy justo, y aquí no hay ninguna intolerancia racial. Yo no desprecio a nadie porque sea negro, judío, latino o chicano: para mí todos sois igual de insignificantes! ¡Y mis ordenes son acabar con todos aquellos que no sean capaces de dar la talla en mi amado cuerpo, ¿me habéis entendido, capullos?!

-(Todos): ¡Señor, si señor!

-¡Coño, más alto, no os oigo!

-(Todos): ¡Señor, si señor!

Mi Tío (1958) de Jacques Tati. Francia

 

• TITULO ORIGINAL Mon oncle
  AÑO 1958 
  DURACIÓN 110 min.  
  PAÍS: Francia 
  DIRECTOR: Jacques Tati
  GUIÓN: Jacques Tati & Jacques Legrange
  MÚSICA: Alain Romans & Franck Barcellini
  FOTOGRAFÍA: Jean Bourgoin
  REPARTO: Jacques Tati, Jean-Pierre Zola, Adrienne Servantie, Alain Bécourt, Lucien Fregis, Betty Schneider, Yvonne Arnaud

 

Las películas de J. Tati satirizan la vida moderna, el mundo de la arquitectura y el diseño, siempre son un redescubrimiento excepcional. Tati siempre trabajó al lado de Jaques Lagranje, pintor e ilustrador, fue a quién encargo el diseño de los decorados de sus películas. En Playtime (1967), comentada en otro artículo, la colaboración de lo dos fue total, construyeron una ciudad entera, absurda y delirante, símbolo de la eficiencia y funcionalidad mal entendida. Una ciudad tecnológica que provocaba cómicas situaciones para desesperación de algunos de sus moradores y vanagloria de inexorables tecnológinoicos.

En Mi Tío (Mon Oncle), anterior a Playtime, la casa donde reside la familia del señor Hulot esta compuesta de un jardín con caminos laberínticos y desatinados, la cocina está llena de artefactos inútiles, el mobiliario es de lo más inidentificable y enredoso, se trata de una vivienda dotada de los avances tecnológicos de la época pero incomoda y deshumanizada.

La familia de Hulot esta alienada, carecen de relaciones personales normales ante la imposición tiránica de la domotica. Hubo alguien que eso no lo supo entender o no captó la ironía y se hizo construir en Francia una casa réplica a la de la película.

También me enterado que en Barcelona existe un restaurante “Boite Tati” decorado a la manera del universo Tati. Parece ser que los clientes denotan cierta dificultad al tomar asiento en el local ya que las mesas son unos 10 cm más bajas de lo normal lo que provoca que, a veces, a los camareros se les caigan los platos.

Ir a comer allí es una odisea. Yo no pienso perdérmelo.

Diario de un escándalo (2006) de Richard Eyre. Reino Unido.

 

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  • Titulo original: Notes on a Scandal - DURACIÓN: 92 min. 
  • DIRECTOR Richard Eyre
  • GUIÓN: Patrick Marber (adaptación de la novela: Zoë Heller)
  • MÚSICA: Philip Glass -  FOTOGRAFÍA: Chris Menges
  • REPARTO: Judi Dench, Cate Blanchett, Bill Nighy, Andrew Simpson, Phil Davis, Michael Maloney, Juno Temple, Max Lewis, Joanna Scanlan, Julia McKenzie, Shaun Parkes, Tom Georgeson, Emma Kennedy, Syreeta Kumar  

Hay amores que matan, nos absorben, consumen. Que te llevan a la perdición. Amores asfixiantes, cargados de angustia y de obsesión. Manipuladores. Egoístas. Decepcionantes.

“Diario de un escándalo” es un duelo entre dos actrices magnificas. Judi Dench (Bárbara), una rara y solitaria profesora de secundaria de un barrio de Londres y Cate Blanchett (Sheba), la nueva y atractiva profesora de arte de la escuela. Barbara tiene como ocupaciones principales alimentar a su gato y llevar un diario escrito. La amargada existencia de Bárbara queda reflejada en la voz en off de su diario, donde nos muestra toda su amalgama de debilidades y obsesiones, es una remilgada y chantajista mujer que se enamora de la bella y grácil Sheba. Las consecuencias de tener como amiga a Bárbara serán una pesadilla para Sheba que aparte, mantiene un romance con un alumno suyo, un muchacho de quince años. Este triangulo, cuadrado o pentágono amoroso, ya que Sheba está casada y tiene dos hijos, está perfectamente desarrollado y nos muestra lo incierto de nuestras relaciones personales. Magnifica película. Para recordar.

La guerra de los mundos (2005) de Steven Spielberg. USA.

• Dirección: Steven Spielberg.
• Guión: David Koepp. Josh Friedman.
• Música: John Williams
• Reparto: Tom Cruise, Daniel Franzese, Lenny Venito, David Alan Basche, Christopher Evan Welch, John Scurti, Dakota Fanning, James DuMont, David Harbour. 

Tras ver el otro día “la guerra de los mundos” de Steven Spielberg, llegue a la conclusión de lo aterrador que pueden resultar los seres humanos en situaciones límite. Apartándonos de la idea de la conquista de la tierra por unos extraterrestres exterminadores, las secuencias de los supervivientes de la invasión son tremendas y todo lo que se cuenta, va derivando hacía el lado más profundamente pesimista del hombre.
El protagonista, Tom Cruise, un padre divorciado e irresponsable, es testigo sobreviviente de la invasión marciana. En principio, su misión será salvar a sus dos hijos, pero esto provocará la inevitable aventura trágica: la pistola que Cruise tiene guardada y saca de su casa, luego será utilizada para un fin perverso, Cruise que quiere evitar a toda costa que la hija pequeña vea el horrores de lo que está sucediendo, acaba presenciando lo inevitable: como su padre tiene que matar a otro hombre. En fin, no sale bien parada la humanidad de este desaguisado marciano. Lo peor de la película, el final azucarado tan propio de Spielberg.

La película es una adaptación de la famosa novela de H.G.Wells "La guerra de los mundos" escrita en 1898. Anteriormente ya se había hecho una interesante adaptación en el cine en 1953. En aquella ocasión la película fue dirigida por Byron Haskin.

Taxi Driver (1976) de Martin Scorsese. USA.

 

director: Martin Scorsese.

guión: Paul Schrader.

música:Bernard Herrmann.

fotografía: M. Chapman.

reparto: Robert de Niro (Travis Bickle) Cybill Shepherd (Betsi) Peter Boyle (Wizard) Jodie Foster (Iris Steensma) Harvey Keitel ('Sport' Matthew) Leonard Harris (Senador Charles Palantine) Albert Brooks (Tom).

Por designios de la fortuna y por mi amigo R.R. de la grande P. elijo Taxi Driver para comentar hoy, por esos caminos recorridos en los avatares de la vida, porque a veces, lo que inspira son las personas y otras los sueños de una noche de verano. Y por conocer en persona y leer sus impetuosos escritos, fruto del talento de quien trabaja en una profesión de lo cotidiano, me dispongo en honor a las fuerzas centrifugas de mi mente a disparar letras en la exploración de las pasiones y la invención.

El protagonista de Taxi Driver es Travis Bickle (Robert de Niro), un excombatiente del Vietnam que sufre de insomnio, por lo que se dedica a trabajar por las noches en un taxi en Nueva York, desde donde es testigo de una sociedad putrefacta y de donde saca su propia visión de la realidad. La evolución de la historia va desembocando merced a diversas circunstancias en una espiral de fuego.

Martin Scorsese nos muestra, a lo largo de los paseos en taxi de Travis, la atmósfera de luces de neon y degradación de la ciudad De Nueva York, acompañada de una inolvidable música de saxo. Podría extenderme en los diversos personajes y situaciones que van apareciendo, la inalcanzable Betsy (Cybill Sheperd), la prostituta de trece años Iris (Jodie Foster), el dialogo en el taxi con el candidato a senador, la escena con el guardaespaldas, el momento soberbio de Trevis frente al espejo, la cita con Betsy en los cines porno, las coincidencias con los otros compañeros del gremio, la voz en off de Trevis, la libreta de Trevis donde apunta todo lo que se le ocurre, …en fin prodigiosa. Imprescindible para entender el estado de ánimo de la ciudad de Nueva York.

El ángel exterminador (1962) de Luis Buñuel. México

Dirección: Luis Buñuel

93 min. blanco y negro.

Guión: Luis Buñuel.

Adaptación: Luis Buñuel y luis Alcoriza.

Asistentes de Dirección: Arturo Ripstein e Ignacio Villarreal.

Reparto: Silvia Pinal, Enrique Rambal, Lucy Gallardo, Claudio Brook, José Baviera, augusto Benedico, Luis Beristáin, patricia Morán, Antonio Bravo, Cesar Del Campo, Rosa Elena Durgel, Nadia Haro, Ofelia Montesco.

La trama va de un grupo de personas que al término de una función teatral van a cenar a casa de una de ellas, después pasan al salón, y por una razón inexplicada no pueden salir de él. A partir de ahí, los personajes de la película, aislados y confusos comienzan a embrutecerse. Desposeídos de todo, quedan ruines, pensativos, provocando todo tipo de enfrentamientos… no pueden comprender ni solucionar su situación.

La imposibilidad inexplicable de satisfacer un deseo sencillo nos ocurre a menudo, cuando por deseos reprimidos estamos encadenados a nuestros propios miedos y a los convencionalismos. Condenados al desarrollo de unas relaciones sociales forzadas e incongruentes es cuando nos saltan los resortes.

Buñuel represento aquí los esfuerzos de unos personajes por salir de una habitación, las elucubraciones son para el espectador, además Buñuel fue introduciendo sueños en sus películas (en "El ángel..." la extraña escena de los corderos debajo de la mesa, el oso deambulando por la habitación, la repetición de dos entradas a la casa por parte de los comensales como si fuera un error de montaje). Igual hacemos en nuestra vida… soñamos, tratando de evitar el aspecto racional explicativo que suele tener la realidad. Los sueños así nos llevan a lugares desconocidos, a situaciones reconocibles pero imposibles y también corremos el riesgo de no volver de ellos. 
El surrealismo tenía un deseo imperioso e irrealizable, cambiar el mundo, transformar la vida. Lo que queda del empeño es el fracaso, pero permanece el libre acceso a las profundidades de lo irracional, a lo que nos hace libres momentáneamente, a la moral personal, nacida del instinto.

El verdugo (1963) de Luís García Berlanga. España.

GUIÓN Rafael Azcona, Luís García Berlanga, Ennio Flaiano

REPARTO José Isbert, Nino Manfredi, Emma Penella, José Luís López Vázquez, Ángel Álvarez, María Luisa Ponte, María Isbert, Julia Caba Alba.

 Esta comedia es una de las más divertidas del humor negro español. Tiene momentos soberbios e inolvidables, deliciosamente esperpénticos y absurdos. Autentica obra maestra, eso desde mi punto de vista y el de muchos.

 El delirio va invadiendo al espectador cuando cruelmente el protagonista, un empleado de una funeraria es sorprendido por el padre de su novia en la intimidad y es obligado a casarse. Presionado por la familia heredará el oficio de verdugo de su suegro por lo que tendrá derecho a una vivienda, necesaria para fundar un nuevo hogar. Problema a lo que se ve, latente en nuestra sociedad.

Esta película merece la gloria el cine español. El buen cine es necesario, crea cultura, inquieta las mentes, aviva el seso, alimenta el conocimiento, ect. Luis García Berlanga consigue todo esto, se pasó por el forro la censura y utilizó para ello el sarcasmo que para muchos censores era como una lengua extranjera, despertó las conciencias dormidas. berlanga es tremendo ¡como consigue que los momentos más divertidos de la película coincidan con los más dramáticos!(foto).

Sin parangón.

Memento (2000) de Christopher Nolan. USA

Esta buenísima película de suspense es extraña en cuanto a su concepción temporal, en lugar de ser lineal va hacía atrás, a saltos temporales que van encajando las causas de lo ya visto.

El protagonista Leonard Shelby recuerda perfectamente lo ocurrido hace 15 años, pero lo que ocurrió hace 15 minutos no está en su mente, así que recurre a un método poco usual para saber en dónde está, qué hace y qué es lo que busca: polaroids, notas de todos los eventos y tatuajes en su cuerpo con la información relevante e importante. ¿La causa de la necesidad de esto? La esposa de Leonard fue atacada y asesinada en su casa.

Lo inusual de cómo se cuenta la historia y los segmentos que se van entrelazando como una cámara atrás crean confusión, pero cuando se llega al punto que enlaza con el segmento de la historia anterior empezamos a atar cabos…pero es una nueva vuelta a empezar. Es ingeniosa pero este recurso de contar la historia hacía atrás ya fue utilizado en la mejor serie de todos los tiempos: “Seinfeld”, en el episodio 'The Betrayal' (La Traición) (1998), con resultados enormemente similares a los de "Memento" en cuanto a los efectos narrativos. Incluso se llegó al extremo de mostrar los créditos y el nombre del programa al final y el logo de la productora al inicio. 

Dirección: Christopher Nolan.
País: USA.
Año: 2000.
Duración: 116 min.
Interpretación: Guy Pearce (Leonard Shelby), Carrie-Anne Moss (Natalie), Joe Pantoliano (Teddy), Mark Boone Junior (Burt), Russ Fega (camarero), Stephen Tobolowsky (Sammy), Harriet Samson Harris (sra. Jankis), Larry Holden (Jimmy Grantz).
Guión: Christopher Nolan; basado en una historia de Jonathan Nolan

Cuando pasan las cigüeñas (the cranes are flying) de Mikhail Kalatozov (1957) URSS.

Intérpretes: Tatiana Samoilova (Veronika), Alexei Batalov (Boris), Vasili Merkuriev (Fiodor Ivanóvich), Alexandr Shvorin (Mark).
El soviético Mikhail Kalatozov rodó en 1957 “Cuando pasan las cigüeñas”. Cuenta el verdadero drama de una historia de amor, frustrada por la Segunda Guerra Mundial. Verónica enamorada hasta el infinito de Boris ve su unión fracasada cuando él, cargado de orgullo patriótico, se va voluntario al frente. Verónica pierde a sus padres en un bombardeo y termina viviendo con la familia de Boris, quienes la admiten como una hija. Termina contrayendo matrimonio con el cobarde y turbio hermano menor de Boris, Mark quien usa su escasa habilidad con el piano para huir del frente y ultrajarla durante un bombardeo. La tensión central del argumento es ese conflicto interno que se manifiesta en todas las acciones de Verónica, esperando noticias de quien ama, pero a quien ha traicionado.
Esta película que vi hace mucho tiempo en el programa de José Luis Balbín, “La Clave”, me impresionó de sobremanera eliminando cualquier luminosidad de alegría. El impacto fue tremendo y es una de esas películas que te dejan un poso amargo pero necesario. Las distintas percepciones de los personajes durante la película impactan y sobrecogen, la transmisión de la potencia melodramática va más allá de las aptitudes del director y se centra en una pura interpretación de Tatiana Samoilova inolvidable. El dibujo de la historia va cobrando fuerza, en toda su intensidad hasta la ironía encastrada en los recovecos de la naturaleza humana.

El rayo verde (1986) de Eric Rohmer. Francia.

Reparto: Marie Rivière, Lisa Hérédia, Vincent Gauthier.
Esta película me ha sorprendido por su naturalidad, parece tan cotidiana, real e inclusive insustancial que es deliciosa, sencilla, comprensible. Es como improvisada. Ante Eric Rohmer tenía mis dudas, un autor calificado por muchos como soporífero pero es muy agradable y recomendado.
La muchacha protagonista lo pasa mal el verano en que transcurre la historia, no la apetece nada, ha sufrido una desilusión y transita por varias situaciones en las que nunca acaba de estar a gusto. “El rayo verde” es un libro de Julio Verne, es también el nombre dado a un fenómeno atmosférico inquietante, y la muchacha se va a ver envuelta fortuitamente con la leyenda que dice que quién ve el rayo verde tiene un indicio del amor verdadero. Uno de los personajes de la novela de Julio Verne, Aristobulus Ursiclos, es felizmente correspondido en la película con un vejete que se encarga de explicar el fenómeno a unas señoras. Esta escena es vital. Después de ver la película, he sentido especial curiosidad por esta novela de Julio Verne.