películas

Las tortugas también vuelan (2004) de Bahman Ghobadi. Irak e Irán.

 

• o Turtles Can Fly (Lakposhtha hâm parvaz mikonand) AÑO 2004
• o DURACIÓN 95 min.
• o PAÍS IRÁN-IRAK
• o DIRECTOR Bahman Ghobadi
• o GUIÓN Bahman Ghobadi
• o MÚSICA Housein Alizadeh
• o FOTOGRAFÍA Shahriar Assadi
• o REPARTO Avaz Latif, Soran Ebrahim, Hirsh Feyssal, Saddam Hossein Feysal, Abdol Rahman Karim.

Una historia en el Kurdistan iraquí, semanas antes al derrocamiento de Sadam Hussein.
Con White... llegamos a los cines Renoir primera sesión, allá por el mes de marzo de 2005 y no teníamos referencias de la película, ninguna en boca. Quiero decir que solo sabíamos que había obtenido la Concha de Oro en el festival de cine de San Sebastián, ¡que es bastante!
Cuando entramos en la sala no nos imaginábamos nada del sufrimiento tan brutal que íbamos a sentir. Fue íntimo, inmenso. Nunca había sentido tanto dolor viendo una película. Fue asombroso, me encontraba con lágrimas en los ojos y falto de comprensión. Desde la opulencia asistí a unas condiciones de supervivencia extremas y necesitaba estar solo cuando acabó la película... como puedo digerir tanta injusticia y no padecer. La tristeza infinita me la llevé para casa. Hasta hoy me sigo acordando y la historia no termina...y sí el cine tiene la capacidad de transformar a la humanidad, aquí lo consigue utilizando todos los elementos que tiene a su alcance para hacer que recapacitemos y nos resulte imprescindible preguntarnos una vez más, el por qué de las atrocidades de la guerra y en definitiva de la miserable condición humana. A cambio, enamorarnos perdidamente de unos niños.

Ciudadano Kane (1941) de Orson Wellws. USA.

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  • TITULO ORIGINAL: Citizen Kane
    AÑO: 1941
    DURACIÓN 119 min. 
    PAÍS: USA 
    DIRECTOR: Orson Welles
    GUIÓN: Orson Welles & Herman J. Makiewicz
    MÚSICA: Bernard Herrmann
    FOTOGRAFÍA: Gregg Toland (B&W)
    REPARTO: Orson Welles, Joseph Cotten, Everett Sloane, George Coulouris, Dorothy Comingore, Ray Collins, Agnes Moorehead, Paul Stewart, Ruth Warrick, Erskine Sanford, William Alland, Alan Ladd.

Esta película que ha sido considerada la mejor de la historia del cine por los eruditos del séptimo arte que en su día no obtuvo un gran éxito de público. Orson Welles con 25 años se encarga de la dirección, actuación y guión de esta película pero el fracaso comercial de “Ciudadano Kane” fue fulminante.
Orson Welles acaba con el plano visual predominante hasta ese momento y utilizó un montaje singular: picados tremendos, encuadres asombrosos, contraluces extrañísimos, ejemplos raros para una época encorsetada. Hasta hoy en día resulta chocante ver esa película rodada en blanco y negro con esas artimañas tan atrevidas y desconcertantes. Así con estas premisas, el gran público en los años 40 huía horrorizado de las salas donde se proyectaba la película. Era pavoroso, suscitaba ser un film demasiado insensato para el razocinio imperante era como en un retroceso involutivo.

La estructura narrativa de “Ciudadano Kane” combina material de un reportaje periodístico con declaraciones de diversas personas en relación a la vida y acciones de Kane, para ello orson welles se inspira en la vida de un magnate de los medios de comunicación de la prensa sensacionalista de Los Estados Unidos, William Randolph Hearst. Aparte de lo temas que aborda en la película como la nostalgia y la añoranza, Welles hace un ataque directo a uno de los poderes fácticos de los medios de comunicación norteamericanos. 

Hearst, afectado por esa utilización paralela de su persona, usó todos los medios a su alcance para garantizar la marginación de Welles del cine y de cualquier ambito de la sociedad. No lo consiguió sino que provoco un realce de la figura enigmatica de Orson Welles. He leído por ahí que: “(…) particularmente doloroso le resultó a Hearst, que el primordial misterio de la película, la última palabra pronunciada por Kane antes de morir (Rosebud), correspondiera al apelativo familiar con que Hearst llamaba al clítoris de su amante, ¿cómo se enteraría de esto? (...)”.

Este domingo 20 de enero, el diario español “El País” regala “Ciudadano Kane” con un libreto sobre la película. También se juega el derby Atlético de Madrid- Real Madrid en el Calderón. Dos razones sugerentes para disfrutar este fin de semana.

2001, una odisea del espacio (1968) de Stanley Kubrick. USA.

• Título original: 2001: A Space Odyssey
• AÑO: 1968
• DURACIÓN: 139 min.
• PAÍS: USA
• DIRECTOR: Stanley Kubrick
• GUIÓN: Stanley Kubrick & Arthur C. Clarke
• MÚSICA: Richard Strauss (la introducción de “Así habló Zaratustra”), Johann Strauss, hijo y György Ligeti que acompaña las imágenes del espacio.
• FOTOGRAFÍA: Geoffrey Unsworth
• REPARTO: Keir Dullea, Gary Lockwood, William Sylvester, Daniel Richter, Douglas Rain (HAL 9000, voz), Laonard Rossiter, Margaret Tyzack, Robert Beatty, Sean Sullivan, Frank Miller, Penny Brahms, Alan Gilfford, Vivian Kubrick.

Stanley Kubrick intenta resumir toda la historia del pensamiento de la humanidad en esta película y a pesar de todo lo que se diga pienso que la película está equilibrada de principio a fin. No acabo de entender ese afán conspiranoico u obselitismo de “2001”.

Nunca se ha escrito tanto sobre una película como con "2001", con mirar en la red, visitar una biblioteca o una librería es suficiente. El elemento clave por supuesto, es la aparición del manido monolito, el recurrido e híperinterpretado “MONOLITO”. Se le asignan teorías de toda índole, desde la intervención extraterrestre, la metáfora de la inteligencia, el conocimiento de Dios, la aparición del mal...en suma, innumerables.

Yo me inclino por una interpretación pesimista. Creo que el conocimiento, el desarrollo de la Inteligencia representado en ese Monolito paralelepípedo negro genera en los humanos la debacle. La “desilusión” ante la inteligencia. Este descubrimiento de la piedra “filosofal” conlleva para la especie humana un infalible poder destructivo: dominación y explotación sobre congéneres y naturaleza.

La conquista de la tecnología se va desarrollando desde la utilización de un hueso animal como arma para llegar al charco de agua, o la rebelión que mantiene el ordenador Hall contra el hombre por el control de la nave espacial hasta llegar a los límites del Superhombre. Tremendo.

Playtime (1967) de Jacques Tati. Francia. (II)

 

Tati en “Playtime”, no me canso…

http://elrayoverde.blogia.com/2007/110101-playtime-1967-de-jacques-tati.-francia..php

El golpe (1973) de George Roy Hill. USA.

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  • Titulo original: The Sting
  • Año: 1973
  • Duración: 129 Min.
  • País: USA
  • Director: George Roy Hill
  • Guión: David S. Ward
  • Música: Marvin Hamlisch
  • Fotografía: Robert Surtees
  • Reparto: Robert Redford, Paul Newman, Robert Shaw, Charles Durning, Ray Walston, Eileen Brennan, Harold Gould, Dana Elcar, John Heffernan.

SINOPSIS: Chicago, años treinta. Dos timadores deciden vengar la muerte de un viejo y querido colega del gremio a manos del más poderoso gángster de la ciudad.

No se puede decir nada de lo que no se halla dicho ya. Impresionante película que engancha irremediablemente y de las que no te cansas de mirar como las televisiones de programar. Tiene escenas inolvidables y el papel de los dos protagonistas es genial. Está llena de sorpresas y giros inesperados. Entretenidísima. Robert Shaw está insuperable al igual que sus secuaces. Un clásico por el que no pasan los años e imprescindible para entender lo del séptimo arte. ¿Cuántas veces la habré visto? He perdido la cuenta.

He leído una crítica a esta película por un tal Canéo de Burgos que me parece genial:

“hay miradas que matan, y hay críticos de Miradas que están ciegos o no quieren ver.que si tuvo demasiados oscars... pues bien, por mi parte, si hubiese 100 nominaciones posibles, le daría los cien oscars. entre ellos:
-A la mejor borrachera (sin serla).
-al mejor villano de la historia del cine.
-al mejor esbirro de villano de la historia del cine.
-a la mejor carrera de cien metros lisos sobre un tejado de chapa.
-al mejor café servido en una barra de bar.
-a los mejores pseudopintores de brocha gorda de la historia del cine.
-al mejor casting de carteristas.
-a la mejor gomina para el pelo que se ha usado en una escena”.

La mosca (1958) de Kart Neumann. USA.

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  • TITULO ORIGINAL: The fly
  • AÑO: 1958
  • DURACIÓN 94 min.
  • PAÍS: USA 
  • DIRECTOR: Kurt Neumann
  • GUIÓN: James Clavell
  • FOTOGRAFÍA: Karl Strauss
  • MÚSICA: Paul Sawtell
  • REPARTO: Al Hedison, Patricia Owens, Vincent Price, Herbert Marshall.

 

Un clásico del cine fantástico que de pequeño me impresionó. Tuvo una secuencia de películas con diferente éxito pero me sigue gustando más está versión de 1958.

La acción se desarrolla en el laboratorio del científico, en el sótano de la casa y allí es donde se encuentra la maquina de teletransportar materia. El científico empieza a experimentar con su propio cuerpo, los resultados son sorprendentes. Esto da motivos a los reaccionarios para con la ciencia y la interpretación negativa sobre los peligros de los avances y los experimentos científicos. Hay momentos realmente espeluznantes y el final es tremendo.

Kurt Neumann desgraciadamente, se suicidaría antes del estreno de su película y no llegaría a conocer la verdadera dimensión y éxito de este inolvidable clásico.

Nueve Reinas (2000) de Fabián Bielinsky. Argentina

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    • TITULO ORIGINAL: Nueve Reinas
    • AÑO: 2000
    • DURACIÓN: 114 Min.   
    • PAÍS: Argentina 
    • DIRECTOR: Fabián Bielinsky
    • GUIÓN: Fabián Bielinsky
    • MÚSICA: César Lerner
    • FOTOGRAFÍA: Marcelo Camorino
    • REPARTO: Ricardo Darín, Gastón Pauls, Leticia Brédice, Tomás Fonzi, Elsa Balaguer, Celia Juárez, Antonio Ugo, Alejandro Awada, Ignasi Abadal, Óscar Núñez, Leo Dicen.

 

SINOPSIS: Buenos Aires. Algo une a Juan y Marcos, dos estafadores de poca monta que casualmente se ven envueltos en un asunto que les puede hacer millonarios.

 

Argumento peliagudo que te puede hacer sufrir. Crea un estado febril por el lioso desarrollo de la historia. Los personajes son tremendos y existe un juego de apariencias a lo largo de toda la película que recuerda a  “El golpe”, al tratarse de dos pillos de mucho cuidado y de un inquietante y original timo.

Guantanamera (1995) de Tomás G. Alea y Juan Carlos Tabío. Cuba

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  • Titulo original: Guantanamera
  • Año: 1995  
  • Duración: 101 min.  
  • País: Cuba 
  • Director: Tomás G. Alea y Juan Carlos Tabío
  • Guión: Tomás G. Alea, Juan Carlos Tabío, Eliseo Alberto Diego
  • Música. José Nieto
  • Fotografía: Hans Burmann.
  • Reparto: Jorge Perugorría, Carlos Cruz, Mirta Ibarra, Raúl Eguren, Pedro Fernández, Luís Alberto García, Conchita Brando.

  

SINOPSIS: Un atípico cortejo fúnebre y un camión cubren el mismo recorrido, aunque con muy diferentes cometidos. 

Curiosa película remake de “La muerte de un burócrata”, distinta, que encuadra momentos de realismo mágicos, extraños, en la peculiar realidad social de la Cuba actual.

También resulta peculiar la evolución del director Tomás Gutiérrez Alea que desde las influencias del neorrealismo italiano en sus primeras películas se dirige hacia un realismo mágico muy propio de películas iberoamericanas.

En “Guantanamera” está presente la Santería, religión sincrética muy popular en Cuba, desde unos mensajes que me confunden al no ser experto. También hay quién ve una crítica al sistema político cubano. Las interpretaciones de los mensajes de “Guantanamera” se pueden encaminar, por lo visto, de dos modos: la crítica hacia el sistema o dentro de los procesos de rectificación inspirados por el gobierno de Fidel Castro.

La historia de este extraño cortejo fúnebre que recorre la isla no tiene nada de normalidad, como es el proceso de periodo especial cubano. La flamante idea de ahorrar gasolina cambiando el féretro de una carroza fúnebre a otra en cada provincia es idea del personaje que representa el funcionario del Partido y entremedias, una serie de historias paralelas cuestionables. La película da para debate, no se la pierdan.

Un gran éxito también para Juan Carlos Tabío y en contrapartida, una emoción añadida el acompañamiento musical perenne en toda la película del “Guantanamera” versionada por el grupo “Orígenes”.

Por último, sacado de una entrevista de Tomás G. Alea en 1993, una importante reflexión sobre el cine: "El cine no es retratar la realidad simplemente. El cine es manipular. Te da la posibilidad de manipular distintos aspectos de la realidad, crear nuevos significados y es en ese juego que uno aprende, lo que es el mundo". 

 

¡Qué pasada! (2000) de Mark Herman. Reino Unido.

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      • Titulo Original: Purely Belter
      • Año: 2000
      • Duración: 99 Min.   
      • País: Reino Unido 
      • Director: Mark Herman
      • Guión: Mark Herman
      • Música: Ian Broudie & Michael Gibbs
      • Fotografía: Andy Collins
      • Reparto: Charlie Hardwick, Tim Healy, Roy Hudd, Kevin Whately, Chris Beattie, Greg Mclane, Alan Shearer.  

Sinopsis: Gerry, que aún va a la escuela y Sewell, que se encuentra en paro, están sin blanca. Su principal sueño es tener dos abonos de temporada, cada uno cuesta 1.000 libras, para ver jugar a su adorado equipo de fútbol el Newcastle United.Trailer película: http://www.terra.es/cine/trailers/trailers1.cfm?ID=2128

 El desempleo y el deterioro social están presentes en esta película sobre un par de adolescentes que idean cualquier artimaña para sacar dinero con el fin de comprar dos abonos y ver jugar a su equipo de fútbol. La situación familiar no les va a la zaga y su identificación con el club es predecible y en  St. James Park, el estadio del Newcastle es donde se sienten como en un sueño. No desean más pero los problemas crecen a su alrededor y el fútbol es solo un escape de la realidad.

Como curiosidad está el papel de Alan Shearer, jugador del Newcastle United que se interpreta  así mismo. A Shearer lo bautizaron como “El Ángel del Norte” en St. James Park estadio del Newcastle United y antes de una final contra el Manchester United, pusieron a una estatua de 20 metros su camiseta. Su condición goleadora y su rechazo a fichar por el Manchester United, lo convirtió en el centro de las iras de muchos ingleses. Le dieron el título de ciudadano de honor de Newcastle. “el mejor exponente de esta ciudad en todo el planeta”, dijo el alcalde.

Tocando el viento (1996) de Mark Herman. Reino Unido.

• Titulo original: Brassed off
• Año: 1997 
• Duración: 107 min.  
• País: Reino Unido 
• Director: Mark Herman
• Guión: Mark Herman
• Música: Trevor Jones
• Fotografía: Andy Collins
• Reparto: Ewan Mcgregor, Tara Fitzgerald, Pete Postlethwaite, Jim Carter, Stephen Tompkinson.

 

SINOPSIS: La mina de carbón de un pueblo minero del norte de Inglaterra corre peligro de ser cerrada en los años de gobierno de Margaret Thatcher. La banda de música de los mineros, toda una institución del lugar con más de un siglo de historia, también corre peligro de desaparecer.

 

Bonita película donde la música y los buenos sentimientos destacan entre el entorno negro de las minas de carbón y su incierto futuro. Las dificultades económicas que deben afrontar los trabajadores no hace sucumbir la pasión por la música y la solidaridad entre los compañeros que tiene como colofón un premio increíble, la actuación en el Albert Hall de Londres.

Shakespeare In Love (1998) de John Madden. USA.

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    • Titulo Original: Shakespeare In Love
    • Año: 1998 
    • Duración: 123 Min.  
    • País: USA 
    • Director: John Madden
    • Guión: Marc Norman & Tom Stoppard
    • Música: Stephen Warbeck
    • Fotografía: Richard Greatrex
    • Reparto: Gwyneth Paltrow, Joseph Fiennes, Judi Dench, Geoffrey Rush, Colin Firth, Ben Affleck, Tom Wilkinson, Simon Callow, Jim Carter, Martin Clunes, Antony Sher, Imelda Staunton, Mark Williams.

 Cine puro. Sin pretensiones hace pasar deliciosamente las dos horas que dura. Muy nominada a los Oscar tiene muchos objetores en contra. La historia es sencilla y engancha hasta el final. Los diálogos son claves en contenido y humor. No es extraordinaria pero a mi me parece muy recomendable.

La poesía, el teatro, el amor se hallan diseminados a lo largo y ancho de la vida del joven William Shakespeare en Londres cuya fortuna como escritor le es esquiva. Las escenas románticas son apasionantes, captan el halo y la imaginación de los protagonistas, William y Viola. El ambiente del Londres del siglo XVI narra por si solo los problemas de la época y también el "encanto" de una compañía teatral.

No buscar dobles lecturas, disfrutad de la película, independientemente de cualquier otro rigor histórico que no lo pretende.

Titanic (1997) de James Cameron. USA

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    • Titulo Original: Titanic
    • Año: 1997 
    • Duración: 194 Min.  
    • País: USA
    • Director: James Cameron
    • Guión: James Cameron
    • Música: James Horner
    • Fotografía: Russell Carpenter
    • Reparto: Leonardo Dicaprio, Kate Winslet, Billy Zane, Kathy Bates, Frances Fisher, Bernard Hill, Jonathan Hyde, Danny Nucci, David Warner, Bill Paxton, Gloria Stuart, Victor Garber.

 

La tragedia del Titanic y en medio una historia de amor. Una película de cine en estado puro. No se hace larga. Hay que verla como se merece, en una pantalla grande y ajenos a cualquier perturbación medio ambiental. Ideal para dejar de tener miedo a navegar por el Atlántico Norte. Una joya del cine comercial sin más. Trasmite los sentimientos típicos de las historias de amor del cine clásico y se sale de la sala con agua hasta el cuello, la vi en los multicines Citté de Madrid, en la súper-pantalla y no defrauda nada si se va al cine sin raras pretensiones, a pesar de los clichés que sus detractores otorgan a “Titanic” como película excesivamente comercial, banal y ridícula.

Los efectos especiales son espectaculares, los decorados muy precisos y detallados y la banda sonora magnifica. En fin, esmerada super-mega-producción.

Requiem (2006) de Hans-Christian Schmid. Alemania Federal

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  • TITULO ORIGINAL Requiem
  • AÑO 2006
  • DURACIÓN 93 min.  
  • PAÍS: Alemania Federal. 
  • DIRECTOR Hans-Christian Schmid
  • GUIÓN Bernd Lange 
  • FOTOGRAFÍA Bogumil Godfrejów
  • REPARTO Sandra Hüller, Burghart Klaußner, Imogen Kogge, Anna Blomeier, Nicholas Reinke

Buena película sobre una familia profundamente religiosa con una hija luchando fervientemente contra su enfermedad, la epilepsia. Es dura por las paradojas que se dan entre los familiares ante una situación de crisis, ante el incipiente amor, ante la religión y ante los diversos personajes que entran en acción. Crea sentimientos dispares, ambiguos y desespera alguna que otra actitud. También encuentro puntos de convergencia, de asimilación, de incomprensibilidad. Un drama tremendo basado en un supuesto caso de posesión diabólica o del sufrimiento de una joven por su enfermedad, no deja indiferente. 

• Premios:
  •  2006. Festival de Berlín: Mejor actriz (Sandra Hüller)
  •  2006. Festival de Sitges: Mejor película y Mejor actriz (Sandra Hüller).

Rufufú (1958) de Mario Monicelli. Italia

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  • TITULO ORIGINAL: I soliti ignoti
  • AÑO 1958
  • DURACIÓN 100 min.   
  • PAÍS: Italia 
  • DIRECTOR Mario Monicelli
  • GUIÓN Mario Monicelli, Age, Scarpelli, Susso Cecchi d'Amico
  • MÚSICA Piero Umiliani
  • FOTOGRAFÍA Gianni di Venanzo
  • REPARTO Marcello Mastroianni, Vittorio Gassman, Claudia Cardinale, Totò, Tiberio Murgia, Renato Salvatori, Carla Gravina, Memmo Carotenuto 

SINOPSIS: Un grupo de ladronzuelos, aconsejados por un ladrón ya retirado, decide preparar un gran robo en las oficinas romanas del Monte de Piedad, con la esperanza de que les saque de la miseria en la que viven.

 Deliciosa comedia italiana sobre el robo de la Comadre, como la llaman "cariñosamente" a la caja fuerte del Banco. Tiene momentos históricos e inolvidables, mezcla de un humor absurdo y tragicómico que va desarrollándose sin pausa hasta el final de la película. Una amalgama de personajes pululan de aquí para allá a cual más inepto a cual más estrafalario. Es la historia de un robo, el plan y la ejecución. Sin razón a perdérsela por nada. Después... muchos remakes y semiremakes, como el caso de la famosísima “Atraco a las tres” española.

La Odisea (1997) de Andrei Konchalovsky. Grecia, Italia, R.Unido y USA.

• TITULO ORIGINAL: The Odyssey.
  PAIS: Grecia, Italia, Alemania, USA.
  DURACION: 173 Minutos.
  AÑO: 1997.
  DIRECTOR: Andrei Konchalovsky.
  GUION: Andrei Konchalovsky y Chris Solomine (adaptación de “La Odisea” de Homero).
  INTERPRETES: Armand Assante, Christopher Lee, Geraldine Chaplin y Isabella Rossellini.
  PRODUCTOR: Dyson Lovell, Francis Ford Coppola, Fred Fuchs y Nicholas Meyer.
  MUSICA: Eduard Artemyev.
  FOTOGRAFÍA: Sergei Kozlov. 

Sinopsis: Ulises es el rey de Ítaca. Comparte el trono con Penélope, su bella esposa, con la que tiene un hijo, Telémaco. La campaña de Troya requiere su presencia, por lo que, muy a su pesar, debe dejar a su familia y a su patria por un tiempo. 

Una serie de TV con todos los ingredientes de la aventura sobre el mito del héroe griego. Muy lograda con unos efectos especiales estupendos y una cadencia narrativa que no se pierde en ningún momento. Los decorados también son reseñables y las ambientaciones son muy sugerentes. La adaptación puede gustar o no. Es muy entretenida y no falta de nada a lo largo de tres horas de largometraje. Os recomiendo que la veáis. En Viveiro (Lugo) la encontré por 3 € en DVD en una librería de entre una maraña de películas inclasificables.

Te querré siempre (1954) de Roberto Rossellini. Italia.

• TITULO ORIGINAL: Viaggio In Italia
• AÑO: 1954
• DURACIÓN: 80 Min.
• PAÍS: Italia 
• DIRECTOR: Roberto Rossellini
• GUIÓN: Roberto Rossellini, Vitaliano Brancati, Antonio Pietrangeli
• MÚSICA: Renzo Rossellini
• FOTOGRAFÍA: Enzo Serafin
• REPARTO: Ingrid Bergman, George Sanders, Maria Mauban, Paul Muller, Anna Proclemer, Leslie Daniels

 

La mujer como deseo. Pienso en la mirada de Ingrid Bergman y siento la fascinación por su cuerpo. Cuando estuve en Stromboli (Italia), nos retratamos ante la casa que Roberto Rossellini e Ingrid Bergman compartieron durante el rodaje de Stromboli (1949), el recuerdo del rostro melancólico de “Viaggo in Italia” se convertía en cierto goce erótico propiciado al estar frente aquella casa roja en medio de un pueblo blanco y azul...la seducción de Ingrid en mi persona era inequívoca. Tengo la sensación irrenunciable de esa atracción y de esa penetración amorosa en mi imaginario sexual. Constato bellos momentos de solo pensar en ella.

Los instantes de la película “Viaggo in Italia” son sublimes, está tan bien y los efectos naturales de su interpretación  me hacen reaccionar hasta las dimensiones más imprevistas.

Embelesado con la belleza de Ingrid, me suscitó esta película muchas sensaciones. El argumento gira en torno a la relación de una pareja madura que tras años de convivencia siguen juntos por rutina, en Italia descubren que no se conocen y que se aburren. El viaje que hacen les va a resultar extraño y a la vez, fascinante. La evolución de la crisis de la pareja es claro, el deterioro y la incomunicación patente. La película esta llena de momentos impresionantes y se centra más en el punto de vista de la protagonista femenina. Hay secuencias que son terriblemente emotivas. Los silencios, propiciados por las escenas aparentemente intranscendentes, son terriblemente evocadores y me maravillo con la historia de inevitable propensión a la metáfora.

Digo que a muchos les podrá parecer aburrida, tediosa, un ladrillo tremendo pero las sensaciones personales son únicas y me dejan indemne ante otro tipo de aspiraciones entusiastas y contagiosas.

Cyrano de Bergerac (1990) de Jean-Paul Rappeneau. Francia

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  • Titulo Original: Cyrano de Bergerac
  • Año: 1990  
  • Duración: 135 Min.  
  • País: Francia. 
  • Director: Jean-Paul Rappeneau
  • Guión: Jean-Claude Carrière & Jean-Paul Rappeneau (Obra: Edmond Rostand)
  • Música: Jean-Claude Petit
  • Fotografía: Pierre Lhomme
  • Reparto: Gérard Depardieu, Jaques Weber, Vincent Pérez, Anne Brochet, Roland Bertin, Joseane Stoleru, Philippe Volter, Philippe Morier-Genoud, Pierre Maguelon. 

“Dad gracias a Dios por haberme concedido un alma lo bastante razonable para no creer todo lo que dice todo el mundo, ya que todo el mundo puede decir de todo. Si no fuera así, habría aplicado a vuestra bilis un antídoto más sólido y potente que el discurso.” Cyrano.

 

  SINOPSIS: “Cyrano es poeta y mosquetero que expresa su amor por la bella Roxane por boca de Christian, el apuesto soldado a quien ella ama...”

 Está adaptación de la obra de Rostand  de  1897 es genial. Parece ser que el productor de la película esperó hasta que los derechos de propiedad intelectual expirasen para no gastarse parte del presupuesto en ellos.He visto esta película numerosas veces.

Los diálogos en verso son apasionados, bellos, puro ingenio, emocionan. Hay que hacer mención especial al doblaje en castellano, espectacular y aunque no sé francés, parece que fielmente traducido. La obra se está representando en el Teatro Español en Madrid, tengo intención de ir a verla, cuando la haga publicaré un comentario aquí mismo.

La película está ambientada en la Guerra de los Treinta Años, en 1636 el cardenal Richelieu considera el enfrentamiento con España y el resultado fue la declaración de una dramática guerra. 

Otra mención es para la banda sonora, sensacional y reconocible aunque dicen que sospechosamente parecida a la BSO de Batman. Existe otra versión de 1950, norteamericana, interpretada por José Ferrer bastante interesante. Hay otras adaptaciones pero carecen de relevancia.

El coraje del pueblo (1971) de Jorge Sanjinés. Bolivia e Italia.

 

Año: 1971
Director: Jorge Sanjinés.País: Bolivia e Italia.Duración: 90 minutos.
Guión: Oscar Soria y Jorge Sanjinés
Producción: Grupo UKAMAU y Radio Televisión Italiana
Fotografía: Antonio Eguino
Sonido: Nilo Soruco - - -Reparto: Domitila Chungara, Vicente Verneros, Gilberto Bernal, Eusebio Gironda, Víctor Hugo Baspineiro.

  Sinopsis: En junio de 1967 en Bolivia se produce la masacre de San Juan contra los trabajadores mineros. Los personajes testimonian sus vivencias sobre los trágicos acontecimientos provocados por las fuerzas represoras del régimen, bajo el pretexto de sofocar un movimiento sindical subversivo. 

Se trata de un cine profundo, emocional, realista, documental. Es el cine preocupado por el sentimiento y la tragedia de las gentes oprimidas sin posibilidades de resarcirse, por mostrar las condiciones de miseria y explotación de las minas andinas. Es el compromiso serio del cineasta con una sociedad. Es la búsqueda de la identidad del pueblo indígena y su fase combativa.

Se la considera una obra pionera, al introducir a los protagonistas verdaderos como actores de sus propias experiencias dramáticas. Es una película muy rustica pero con una carga emocional enorme. Se rodó en cuatro meses y la productora era la RAI italiana a la que se le ocultaba la verdadera versión de la película, cuando se estrenó los ejecutivos italianos se quedaron estupefactos.   

Premios:

 MEJOR FILME de la Settima Mostra Internazionale di Pesaro 1971, Italia.  

PREMIO OCIC del XXII Festival Internacional de Cine de Berlín 1972, Alemania Federal.

PREMIO "Kantuta de Plata 1979" al Mejor Filme Boliviano. La Paz, Bolivia.

La muerte de un burócrata (1966) de Tomás G. Alea. Cuba.

 

• Titulo original: La muerte de un burócrata
• Año: 1966 
• Duración: 85 min.
• País: Cuba 
• Director: Tomás G. Alea
• Guión: Tomás G. Alea & Alfredo del Cueto
• Música: Leo Brouwer
• Fotografía: Ramón Suárez
• Reparto Salvador Wood, Silvia Planas, Manuel Estanillo, Gaspar De Santelices, Carlos Ruiz De La Tejera.

SINOPSIS: “Un obrero ejemplar es enterrado con su carnet laboral en reconocimiento a sus méritos, pero su viuda no puede cobrar la pensión sin este documento.”

Desde mi punto de vista una de las mejores películas cubanas, una comedia de humor negro, irónica y crítica con la burocracia. Hay secuencias tremendas que rozan el absurdo pero tremendamente divertidas. La solución simple de un trámite se convierte en una odisea. El argumento gira en torno a un difunto y los problemas derivados con el papeleo, las gestiones a realizar para obtener un certificado de exhumación, marchas fúnebres incluidas, peleas por enterrar o no enterrar y una almagama de variopintas situaciones esperpénticas. La comicidad no tiene limite, no se la pierdan.
Años después Alea hará un remake con “Guantanamera” (1996), con producción española y codirigida con Juan Carlos Tabío. Diferente.

Tiempos modernos (1936) de Charles Chaplin. USA.

• Titulo Original: Modern Times
• Año: 1936
• Duración: 89 Min. 
• País: Usa
• Director: Charles Chaplin
• Guión: Charles Chaplin
• Música: Charles Chaplin
• Fotografía: Rollie Totheroh & Ira Morgan.
• Reparto: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Henry Bergman, Chester Conklin, Stanley Stanford, Hank Mann, Louis Natheaux, Allan Garcia.

SINOPSIS: Un obrero de la industria del acero acaba perdiendo la razón, extenuado por el frenético ritmo de la cadena de montaje de su trabajo.

Película de 1936 sobre la explotación capitalista desde una perspectiva socialmente comprometida, entretenida aunque tiene momentos que se hacen pesados. Los veinte primeros minutos son magistrales. A pesar de todo, hay que verla desde la época en la que fue rodada, como cine mudo, en blanco y negro, y en el desarrollo inicial de la industria del cine.

La preocupación de Chaplin por las consecuencias que el sistema capitalista producía en los obreros es patente, es crítico contra la mecanización y la especialización que imponen las maquinas. Memorables son las escenas de Chaplin apretando tuercas a diestro y siniestro o cuando le engulle literalmente el engranaje de la maquinaria.

Es cómica, te diviertes un rato y tiene una historia de amor por medio de todo esto de dos seres marginados por el capitalismo salvaje.

He leído que “Se le acusó de plagio por copiar cosas de “A Nous la liberté” de René Clair (1931), pero todo acabó con el Sr. Clair diciendo que en todo caso, se sentiría honrado de que esto fuera".