el rayo verde

Las líneas del espacio infinito. Desde el punto de partida hasta la cámara funerarias, origen de la vida eterna para los egipcios. Ya comentada, dejo aquí esta procesión Real del film de Jerzy Kawalerowicz que he encontrado en la red. Majestuosa y con trasfondo social.

comentario de Faraón.

Etiquetas: Faraón, 1966, Jerzy, kawalerowicz.

«Cuando veo a uno de esos pobres viejos, siempre pienso lo mismo: pienso que una vez fue un niño pequeño, que tendría un padre y una madre que le querrían mucho. Y ahora, mírale derrumbado en un banco callejero. ¿Dónde está ahora su padre, su madre, su familia?»

Este comentario de un personaje femenino de la película de Francis Ford Coppola me intrigó siempre. Esta reflexión simple e inocente me dejó en un estado de obnubilación.

“La conversación” es un thriller de suspense donde el espía profesional  Gene Hackman recibe el encargo por parte de un magnate de investigar a su joven esposa. Las escuchas sobre las vidas ajenas cobran la dimensión de traumas personales, de experiencias miserables. Se suceden diversas estrategias en ese territorio del espionaje secreto y se van desgranando las historias desde diversos puntos de vista. Lo particular está en peligro y los enfoques sobre las cosas se esconden y afloran como en todas las guerras humanas.

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Acabo de ver la película en los Renoir-Retiro de Madrid. He estado con tres amigos en el ámbito natural de una tarde de cine, pero sobre el deseo de sentir. Antes de adentrarme en la sala de proyección, me preguntaba si iba a merecer la pena. Es cierto que antes de venir he leído alguna crítica por ahí, la de Carlos Boyero en El País, otra en el ABC, la de El Mundo, otro artículo en Rebelión. De todo, pero en líneas generales críticas positivas. Luego, estaba el premio al mejor actor para Benicio del Toro en el Festival de Cannes.

Así, llegaría el momento de sentarme en la butaca mientras el vértigo recorría mi espinazo, contemplaba los espectadores que casi colmaban la sala convertidos en protagonistas esenciales, se apagan las luces. La música con percusiones y el olor a selva salpicaban a la concurrencia y ya no dudaba de la experiencia, del viaje perpetuo en un formidable goce de reflexión. Era el encuentro afortunado con Steven Soderbergh, una comunión entre cine y símbolo.

En Che, el argentino todo está ajustado al apunte histórico, al sentimiento, a la experiencia personal y efectivamente, la película tiene un grado de subjetividad ya que tiene una base clara, que son los diarios del protagonista. Quizás por eso se lamentan algunos espectadores. El planteamiento es mostrar a Ernesto Guevara en su ecosistema: la guerrilla, sin intentar moralizar y sin desviarse de todo lo que se va consolidando en la Revolución: los logros y las contradicciones. Se intercalan fragmentos, en blanco y negro, de la intervención de Guevara en la asamblea de la ONU en 1964 con el día a día de la guerrilla, con el difícil equilibrio de la felicidad y la tristeza.

Tras la película, todo vuelve a la normalidad. Los problemas cotidianos, las dedicaciones habituales, el equilibrio de nuestra conciencia. Intencionadamente, a veces, en la rutina de nuestros días salen grandezas sobre una pantalla.

Che: El argentino (2008). USA.

duración 140 min.

DIRECTOR Steven Soderbergh

GUIÓN Peter Buchman

MÚSICA Alberto Iglesias

FOTOGRAFÍA Steven Soderbergh

REPARTO Benicio del Toro, Franka Potente, Benjamin Bratt, Jordi Mollà, Óscar Isaac, Yul Vazquez, Catalina Sandino Moreno, Edgar Ramirez, Demián Bichir, Elvira Mínguez, Jorge Perugorría, Eduard Fernández, Alfredo De Quesada, Óscar Jaenada, Jsu Garcia, Benjamín Benítez, Armando Riesco, Carlos Bardem.

(foto del post: Centro Comercial Dreams Palacio de Hielo, Madrid)

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Titulo Original: Perdita Durango

Año: 1997 

Duración: 130 Min.

País: España 

Director: Álex De La Iglesia

Guión: David Trueba (Novela: Barry Gifford)

Música: Simon Boswell

Fotografía: Flavio Martínez Labiano

Reparto: Rosie Pérez, Javier Bardem, Harley Cross, Aimee Graham, Screamin’jay Hawkins, Don Stroud, Demia Bichir, Santiago Segura, Carlos Bardem, Alex Cox, James Gandolfini.

Película al estilo del Director. Hay que desconfiar pues. Sádica hasta el último día de la semana es contraria a los buenos modales, pero con una carga erótica indiscutible por parte de Rosie Pérez. Es particularmente indigesta entre los buscadores de películas tipo “Rambo”. La violencia campa a sus anchas encorsetada consecuentemente en el experimentado humor negro que lo declaro soberbio.

Es una película maldita como la catalogan por ahí, como la peor de Alex de la Iglesia pero personalmente es la que más me gusta. Es interesante y la aventura en la frontera de Estados Unidos con México es materia de espectáculo salvaje como el destilado surrealismo escalofriante de Javier Bardem que choca extrañamente con el implicado cruce de sentimientos de los personajes.

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23 de Abril. Día del Libro.

Titulo Original: Fahrenheit 451

Año: 1966

Duración: 98 Min.

País: Reino Unido 

Director: François Truffaut

Guión: François Truffaut & Jean-Louis Richard (Novela: Ray Bradbury)

Música: Bernard Herrmann

Fotografía: Nicolas Roeg

Reparto: Julie Christie, Oskar Werner, Cyril Cusack, Anton Diffring, Jeremy Spenser, Alex Scott.

 Un mundo sin libros donde el cuerpo de bomberos se dedica a destruir cualquier indicio de cultura. La estética de la película tiene un punto, las modas y la época se reflejan descaradamente, pero la crítica de Truffaut resulta una buena metáfora. No conviene que la gente piense y hay que negar el ejercicio del derecho a pensar mediante la quema constante de libros. El dirigismo cultural del Estado esta servido, el control absoluto sobre los ciudadanos actúa desde la más tierna infancia como cuando le confiscan un librito a un bebé que llevaba escondido. Los vientos de libertad dejaron de soplar en un mundo futuro y la resistencia garantiza la supervivencia de las obras quemadas en unas condiciones adversas límite gracias a la persistente memoria de las personas.

Etiquetas: Bradbury.Ray, Fahrenheit, 451, Truffaut, Oskar, Werner, día, libro

AÑO 1985

DURACIÓN 87 min.

PAÍS POLONIA 

DIRECTOR Radoslaw Piwowarski

GUIÓN Radoslaw Piwowarski

MÚSICA Jerzy Matula (Canciones: The Beatles)

FOTOGRAFÍA Witold Adamek

REPARTO Piotrz Siwkiewicz, Anna Kazmierczak, Andrzej Zielinski, Krystyna Feldman, Henryk Bista, Waldemar Ignaczak

La historia de unos chavales en 1965, la música de los Beatles y la Polonia del Pacto de Varsovia. Resulta curioso observar el enorme poder de la Iglesia en la Polonia de 1965 entonces enfrentada a la gran maquinaria del Estado Comunista. El director, que se declara católico, hace una crítica amarga de un mundo encerrado y apegado a los tradicionales valores del catolicismo. Después de la llegada al poder del General Jaruzelski en 1981, la Iglesia adoptaría en Polonia un papel más “progresista” preparándose para otros tiempos.

En 1965 suenan esas melodías de los Beatles que invaden Europa, contrapeso a una existencia dura marcada por el enfrentamiento Este-Oeste. Los adolescentes de esta película recurren a la música y aparece entonces la incomprensión de la sociedad. Una narración cinematográficamente fluida y que escarba en una historia de amor en el sentido más limpio de la palabra.

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SINOPSIS: Hank, su hermano y un amigo encuentran mucho dinero en una avioneta que ha sufrido un accidente. Primero se enfrentan al dilema de quedarse o no con el botín, y después trazan un plan: Hank, el único con empleo estable y persona responsable, guardará el dinero una temporada. Si nadie lo reclama, se lo repartirán a partes iguales. 

Llevar adelante un argumento interesante no es fácil y a muchos les parece esta película que pierde el hilo como en una línea discontinua. A mi entender, la película no decae en ningún momento y las situaciones que se dan me obligan a pensar en la ambivalencia de la mente humana.

De los frikis es mejor librarse y no crear lazos con ellos pues te acaban metiendo en líos. Lo de esta película es extrapolable a la vida real. El suspense y el ambiente a lo "Fargo" ayudan a crear el clima necesario para el drama, todo el rato en la sala escuchaba el eco del devenir inevitable. La acción de gobernabilidad sobre estos dos frikis que acompañan a Hank en esta aventura son más que complejas y los proyectos estratosféricos se hunden en el barro como un hachazo.

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• Título Original: Pi
• Año: 1998.
• País: EE.UU.
• Dirección: Darren Aronofsky.
• Intérpretes: Sean Gullette, Mark Margolis, Ben Shenkman, Pamela Hart, Stephen Pearlman, Samia Shoaib, Ajay Naidu, Kristyn Mae-Anne Lao, Lauren Fox.
• Duración: 1 hora 26 minutos.

Sinopsis: Max es un brillante matemático que está a punto de dar con el descubrimiento más importante de su vida: la decodificación del sistema numérico que rige el aparente caos del mercado bursátil. Pero primero ha de encontrar el valor del número PI. Mientras se acerca a la verdad es afectado periódicamente por unas brutales jaquecas.

El mundo de los números en una trama vertiginosa y complicada. Los lobbys de poder andan al acecho. La economía y la religión implicadas conjuntamente para dilucidar el valor de una serie matemática y la disyuntiva terrible del matemático tras los análisis de complejas operaciones.

Etiquetas: PI, 3, 14, número, Darren, Aronofsky, matemática

Titulo Original: Crna Macka, Beli Macor

Año: 1998 

Duración 130 Min.

País: Yugoslavia 

Director: Emir Kusturica

Guión: Gordan Mihic & Emir Kusturica

Música: Nelle Karajlic

Fotografía: Thierry Arbogast

Reparto: Bajram Severdzan, Florijan Ajdini, Jasar Destani, Zabit Mehmedovski, Srdjan Todorovic.

Delirante película, descabala la realidad y está llena de momentos esperpénticos. Kusturica juega con un montón de historias paralelas “a lo Tati” y la música es factor muy importante en el desarrollo surrealista de la película. El argumento se va liando y los gags se suceden vertiginosamente. El megacolorido de las escenas recargadas, los insólitos personajes, la fanfarria balcánica son marca de la casa. Se hacen perfectamente reconocibles en el cine de Kusturica. 

Es extraña ya que mucha gente me ha comentado que no la hace ni pizca de gracia cuando yo no me canso. Kusturica traspasa la frontera de la realidad y crea una interpretación de la Yugoslavia de fines del siglo XX a través de sus delirios imaginarios. La inspiración de sus historias no sé como se las provoca, resulta inútil pensar que solo son sueños.

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Título Original: X-Files: The movie.

Año: 1998.

País: EE.UU, Canadá

Dirección: Rob Bowman

Intérpretes: William B. Davis, Martin Landau, John Neville, Gillian Anderson, David Duchovny, Blythe Danner, Blake Stokes, Armin Mueller-Stahl

Duración: 1 hora 58 minutos.

No he sido seguidor fiel de la serie de TV pero por una de esas casualidades, junto a mi hermano, acabé una tarde en la sala donde la proyectaban. Me sorprendió la intriga y el desarrollo de la historia tan conspiranoica. Esta película es uno de esos casos en que se descuartiza algo por el mero hecho de venir de una serie de TV de dudosa calidad que para muchos es muy mala y para otros fundamental. Personalmente me sorprendió. La escena prehistórica inicial es de lo mejor, sin duda se pasa un buen rato. Quizás condensa muchas cosas pero el balance es positivo.

Etiquetas: Expediente, X, película, Rob, Bowman, X-files

o TITULO ORIGINAL Some Like It Hot
o AÑO 1959
o DURACIÓN 119 min.
o PAÍS USA 
o DIRECTOR Billy Wilder
o GUIÓN Billy Wilder
o MÚSICA Adolph Deutsch
o FOTOGRAFÍA Charles Lang Jr. (B&W)
o REPARTO Marilyn Monroe, Tony Curtis, Jack Lemmon, George Raft, Pat O'Brien, Joe E. Brown, Behemiah Persoff, Joan Shawlee, Billy Gray, Dave Barry, Harry Wilson.

SINOPSIS: Joe y Jerry son dos músicos del montón que se ven obligados a huir después de ser testigos de un ajuste de cuentas en tiempos de la ley seca. Ya que no encuentran trabajo, deciden vestirse de mujeres para tocar en una orquesta. Joe pronto asumirá un doble rol, ya que finge ser un magnate impotente para conquistar a Sugar Kane, mientras que Jerry es perseguido por un millonario que quiere casarse con él creyéndose que es, en realidad, una mujer.

la extraordinaria belleza de Marilyn justifica esta película. Se trata de una comedia con todos los ingredientes para pasarlo bien y llena de gags muy reconocibles. La secuencia final en la barca con el “nadie es perfecto” es uno de los finales más imprevistos de la historia del cine. Se disfruta mucho viéndola, engancha de principio a fin gracias a la calidad que Billy Wilder sabe dar a sus películas.

Etiquetas: Marilyn, Monroe, Billy, Wider, Tony, Curtis, Jack, Lemmon, faldas, loco

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• TITULO ORIGINAL: After Hours
  AÑO: 1985
  DURACIÓN: 94 min.
  PAÍS: USA. 
  DIRECTOR: Martin Scorsese
  GUIÓN: Joseph Minion
  MÚSICA: Howard Shore
  FOTOGRAFÍA: Michael Ballhaus
  REPARTO: Griffin Dunne, Rosanna Arquette, Linda Fiorentino, Bronson Pinchot, John Heard, Verna Bloom, Martin Scorsese, Teri Garr, Cheech Marin, Tommy Chong.

Las peripecias del protagonista Griffin Dunne inmerso en una aventura fortuita durante una noche en la ciudad de Nueva York. Griffin lo pasa fatal y cosas muy raras van sucediendo en lo que se puede decir su mundo exterior. La película tiene tintes de humor negro y todo va sucediendo a cada vez peor. Es angustioso intentar salir de un problema y verse enredado en la madeja más y más. Los personajes que van apareciendo son a cuál más excéntrico y estrambótico como en el cuento de Alicia. Nada, no perdérsela.

Etiquetas: Martin, Scorsese, Griffin, Dunne, After, Hours, jo, qué, noche, New, Cork, Arquette

TITULO ORIGINAL "Silent Running"
AÑO 1971
DURACIÓN 89 min.
PAÍS USA 
DIRECTOR Douglas Trumbull
GUIÓN Deric Washburn, Mike Cimino (AKA Michael Cimino), Steve Bochco
MÚSICA Peter Schickele (Canciones: Joan Baez)
FOTOGRAFÍA Charles F. Wheeler
REPARTO Bruce Dern, Cliff Potts, Ron Rifkin, Jesse Vint

Canciones de Joan Baez y precedentes del ultra-ecologismo en esta película de 1971 que refleja por otro lado la soledad del ser humano. Ha envejecido mal, si la has visto no la vuelvas a ver. Es catastrofista, las naves que se desplazan por el espacio son lo único que queda de una Tierra verde que tienen forma de bóvedas-invernadero y conservan en su interior los ecosistemas naturales que se han esquilmado en la Tierra. Allí en el espacio, en esos vergeles forestales, reina la imperturbabilidad. Cuando desde la Tierra se decide acabar con las naves, uno de los botánicos que cuida el proyecto se vuelve loco y trata de salvaguardar el proyecto en compañía de dos robots.

Etiquetas: Ecologismo, naves, misteriosas, trumbull, robots, invernadero, joan, baez

Ante la sugerencia de Oscar en Sailor Worlds paso a reseñar esta película que es muy recomendable. Lo hago mezclando un poco las cosas pero en fin... 

"Los dioses deben estar locos" guarda cierta similitud con "2001" de Kubrick. La botella de Coca-Cola caída del cielo en un poblado bosquimano es un símil del extraño monolito que aparece en "2001". En la película de la botella te ríes más, es adorada por la tribu y va a producir importantes desacuerdos y disputas entre los bosquimanos. En "2001" el monolito da cuenta del conocimiento a los primeros homínidos y entraña problemas de dificil solución. Para la tribu bosquimana el encuentro con la botella (el encuentro de civilizaciones) es nefasto y por eso tratan de deshacerse de ella, llevándola a los "confines" de la Tierra. Para la humanidad en "2001" la conquista del progreso dificulta el sentimiento de seguridad en la especie, genera desilusión.

Etiquetas: odisea, espacial, Los, dioses, deben, estar, locos, Jamie, Uys, Sudáfrica.

• Titulo original: To be or not  to be
• Año: 1942 
• Duración 99 min.
• País: USA 
• Director: Ernst Lubitsch
• Guión: Edwin Justus Mayer
• Música: Werner R. Heymann
• Fotografía: Rudolph Maté
• Reparto: Carole Lombard, Jack Benny, Robert Stack, Stanley Ridges, Felix Bressart, Lionel Atwill, Sig Rumann, Tom Dugan, Charles Halton, George Lynn.

SINOPSIS: Segunda Guerra Mundial. Varsovia, durante la ocupación alemana. El profesor Siletsky, un espía al servicio de la Gestapo, está a punto de entregar una lista con el nombre de los colaboradores de la resistencia. Joseph Tura, actor polaco intérprete de Hamlet y esposo de María Tura, también conocida actriz, intentará solucionar esta peligrosa situación.

Impresionante película, ¡qué buena! Con ironía y empleando la sátira hábilmente se puede sacar jugo de un dramático hecho como fue la ocupación de Polonia en la Segunda Guerra Mundial. Es indiscutible el humor tremendo que supuraba de Lubitsch como cuando el oficial alemán reconoce que el actor Joseph Tura que interpreta a Hamlet, hace con Shakespeare lo que ellos están haciendo con los polacos, eso en 1942. La película va sobre el teatro, sobre la ficción y realidad entremezcladas. Se disfruta al máximo en todas sus vertientes: un guión glorifico, unos guiños soberbios, una exquisita ironía y humor a punta pala. ¡Qué delicia de enredos y de situaciones absurdas! es perfecta. La tenía en VHS con subtítulos, fue la primera película que grabé en el video Panasonic que compró mi padre allá por el 1988 y la recomiendo ver en versión original, si es posible. Para algunos será tortura para otros una necesidad, una buena razón para aprender inglés.

"Ser o no ser... He ahí el dilema.
¿Qué es mejor para el alma,
sufrir insultos de fortuna, golpes, dardos,
o levantarse en armas contra el océano del mal,
y oponerse a él y que así cesen? (...)"

Etiquetas: Shakespeare, Ernst, Lubitsch, Hamlet, Joseph, Tura, Varsovia, Edwin, Justus, Mayer, Alemania

TITULO ORIGINAL Lost in Translation
AÑO 2003
DURACIÓN 105 min.  
PAÍS USA 
DIRECTOR Sofia Coppola
GUIÓN Sofia Coppola
MÚSICA Brian Reitzell & Kevin Shields
FOTOGRAFÍA Lance Acord
REPARTO Bill Murray, Scarlett Johansson, Giovanni Ribisi, Anna Faris, Fumihiro Hayashi, Akiko Takeshita, Catherine Lambert, Akiko Monou.

Esta dirigida por Sofía Coppola, la hija, y el recuerdo cómico por el aturdimiento continuo al que se ve sometido el protagonista es lo más. La actitud que mantiene Bill Murray en Japón, que interpreta a una estrella de cine americano contratado para filmar un anuncio publicitario para consumo nipón, da la impresión de encontrarse en otro planeta... Impávido, asiste a descabellados eventos escabrosos, se siente absorbido por lo que no entiende y observado por una cultura extraña. Perdido simplemente en un desierto de gente y tecnología desconcertante vaga sin rumbo. La comicidad de situaciones inexplicables esta servida. El personaje no deja de sufrir el desasosiego hasta que conoce, en el hotel donde se hospeda, a Scarlett Johansson ¡uauhh!. El resultado es un intimo encuentro, me parece que en la habitación de Murray, no consumado y más cerca de la conmiseración.

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  • Título original: Dial M for a Murder
  • Año: 1954
  • Duración: 105 min.
  • País: USA.
  • DIRECTOR: Alfred Hitchcock
  • GUIÓN: Frederick Knott
  • MÚSICA: Dimitri Tiomkin
  • FOTOGRAFÍA: Robert Burks
  • REPARTO: Grace Kelly, Ray Milland, Robert Cummings, John Williams, Anthony Dawson, Leo Britt, Patrick Allen, George Leigh.

Buenísima película del maestro del suspense. Te deja boquiabierto, no decae la trama en ningún momento. Pienso que es una de las más redondas que rodó Hitchcock, y de características indudablemente teatrales.

Los detalles escabrosos en la preparación del asesinato son  concienzudos, dan que pensar. Luego el intento de asesinato y la investigación del caso por parte del detective plasman un argumento perfecto. Para mí, la mejor de Hichcock.

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  • Titulo Original: Letter from an unknown woman
  • Año. 1948
  • Duración: 90 Min.  
  • País: USA 
  • Director: Max Ophüls
  • Guión: Howard Koch (Novela: Stefan Zweig)
  • Música: Daniele Amfitheatrof
  • Fotografía: Franz Planer (B&W)
  • Reparto: Joan Fontaine, Louis Jourdan, Mady Christians, Marcel Journet, Art Smith, Carol Yorke.

SINOPSIS: Viena, 1900. Stefan Brand, un famoso pianista, recibe una carta de una mujer con la que estuvo, tiempo atrás, íntimamente ligado y a la que ya casi no recuerda. Lisa es para él una desconocida; algo que no ha dejado huella. Para Lisa sí es el recuerdo y la nostalgia aquel joven músico que conoció cuando ella era todavía una adolescente y del que fue una acompañante circunstancial, marginada cuando llegaron los éxitos.

Es una película extraña sobre los amores olvidados y sobre los amores obsesivos que te persiguen durante toda la vida. El pianista no recuerda a la mujer que profundamente quedó marcada por Él. El sentimiento romántico va hasta el infinito y todo lo que ocurre en la vida de Lisa no hace sino agravar su situación enferma de amor. En "Ciudadano Kane" se produce en un dialogo una escena similar, uno de los personajes se cruza en una estación con una mujer, le llama la atención, se fija en ella, es solo un breve instante de tiempo pero comenta, ya bastante viejo, que durante toda la vida no había pasado un mes que no pensara en Ella. Es la nostalgia, lo que nos falta en la vida.

Esta película me dejo un extraño sabor de boca, la tenía grabada en VHS de la TVE y la guardaba como un tesoro.

Sobre película he encontrado a Aeris que dice:

"Sueños... tampoco ellos tienen nombre, ni forma. Solo su silueta sentada al fondo del todo. Sus bocanadas de humo y sus ojos. Sus ojos hablan. Nunca había conocido a nadie cuyos ojos dijesen tanto. Que hablaran si, pero que dijesen tanto como los suyos no".

Etiquetas: Max, Ophüls, carta, de, una, desconocida, cine, Joan, Fontaine

AÑO 1964
DURACIÓN 98 min.
PAÍS ESPAÑA 
DIRECTOR Fernando Fernán-Gómez
GUIÓN Manuel Ruiz Castillo, Pedro Beltrán (Argumento: Luis García Berlanga)
MÚSICA Cristóbal Halffter
FOTOGRAFÍA José F. Aguayo
REPARTO Carlos Larrañaga, Tota Alba, Lina Canalejas, Jesús Franco (AKA Jess Franco), Rafaela Aparicio, Sara Lezana, María Luisa Ponte, Teresa Gisbert.

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• o Turtles Can Fly (Lakposhtha hâm parvaz mikonand) AÑO 2004
• o DURACIÓN 95 min.
• o PAÍS IRÁN-IRAK
• o DIRECTOR Bahman Ghobadi
• o GUIÓN Bahman Ghobadi
• o MÚSICA Housein Alizadeh
• o FOTOGRAFÍA Shahriar Assadi
• o REPARTO Avaz Latif, Soran Ebrahim, Hirsh Feyssal, Saddam Hossein Feysal, Abdol Rahman Karim.

Una historia en el Kurdistan iraquí, semanas antes al derrocamiento de Sadam Hussein.
Con White... llegamos a los cines Renoir primera sesión, allá por el mes de marzo de 2005 y no teníamos referencias de la película, ninguna en boca. Quiero decir que solo sabíamos que había obtenido la Concha de Oro en el festival de cine de San Sebastián, ¡que es bastante!
Cuando entramos en la sala no nos imaginábamos nada del sufrimiento tan brutal que íbamos a sentir. Fue íntimo, inmenso. Nunca había sentido tanto dolor viendo una película. Fue asombroso, me encontraba con lágrimas en los ojos y falto de comprensión. Desde la opulencia asistí a unas condiciones de supervivencia extremas y necesitaba estar solo cuando acabó la película... como puedo digerir tanta injusticia y no padecer. La tristeza infinita me la llevé para casa. Hasta hoy me sigo acordando y la historia no termina...y sí el cine tiene la capacidad de transformar a la humanidad, aquí lo consigue utilizando todos los elementos que tiene a su alcance para hacer que recapacitemos y nos resulte imprescindible preguntarnos una vez más, el por qué de las atrocidades de la guerra y en definitiva de la miserable condición humana. A cambio, enamorarnos perdidamente de unos niños.

Etiquetas: irán, irak, tortugas, también, vuelan, guerra, bahman, ghobadi, cine

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  • TITULO ORIGINAL: Citizen Kane
    AÑO: 1941
    DURACIÓN 119 min. 
    PAÍS: USA 
    DIRECTOR: Orson Welles
    GUIÓN: Orson Welles & Herman J. Makiewicz
    MÚSICA: Bernard Herrmann
    FOTOGRAFÍA: Gregg Toland (B&W)
    REPARTO: Orson Welles, Joseph Cotten, Everett Sloane, George Coulouris, Dorothy Comingore, Ray Collins, Agnes Moorehead, Paul Stewart, Ruth Warrick, Erskine Sanford, William Alland, Alan Ladd.

Esta película que ha sido considerada la mejor de la historia del cine por los eruditos del séptimo arte que en su día no obtuvo un gran éxito de público. Orson Welles con 25 años se encarga de la dirección, actuación y guión de esta película pero el fracaso comercial de “Ciudadano Kane” fue fulminante.
Orson Welles acaba con el plano visual predominante hasta ese momento y utilizó un montaje singular: picados tremendos, encuadres asombrosos, contraluces extrañísimos, ejemplos raros para una época encorsetada. Hasta hoy en día resulta chocante ver esa película rodada en blanco y negro con esas artimañas tan atrevidas y desconcertantes. Así con estas premisas, el gran público en los años 40 huía horrorizado de las salas donde se proyectaba la película. Era pavoroso, suscitaba ser un film demasiado insensato para el razocinio imperante era como en un retroceso involutivo.

La estructura narrativa de “Ciudadano Kane” combina material de un reportaje periodístico con declaraciones de diversas personas en relación a la vida y acciones de Kane, para ello orson welles se inspira en la vida de un magnate de los medios de comunicación de la prensa sensacionalista de Los Estados Unidos, William Randolph Hearst. Aparte de lo temas que aborda en la película como la nostalgia y la añoranza, Welles hace un ataque directo a uno de los poderes fácticos de los medios de comunicación norteamericanos. 

Hearst, afectado por esa utilización paralela de su persona, usó todos los medios a su alcance para garantizar la marginación de Welles del cine y de cualquier ambito de la sociedad. No lo consiguió sino que provoco un realce de la figura enigmatica de Orson Welles. He leído por ahí que: “(…) particularmente doloroso le resultó a Hearst, que el primordial misterio de la película, la última palabra pronunciada por Kane antes de morir (Rosebud), correspondiera al apelativo familiar con que Hearst llamaba al clítoris de su amante, ¿cómo se enteraría de esto? (...)”.

Este domingo 20 de enero, el diario español “El País” regala “Ciudadano Kane” con un libreto sobre la película. También se juega el derby Atlético de Madrid- Real Madrid en el Calderón. Dos razones sugerentes para disfrutar este fin de semana.

Etiquetas: orson, welles, país, hearst, rosebud, nostalgia, kane, ciudadano

• Título original: 2001: A Space Odyssey
• AÑO: 1968
• DURACIÓN: 139 min.
• PAÍS: USA
• DIRECTOR: Stanley Kubrick
• GUIÓN: Stanley Kubrick & Arthur C. Clarke
• MÚSICA: Richard Strauss (la introducción de “Así habló Zaratustra”), Johann Strauss, hijo y György Ligeti que acompaña las imágenes del espacio.
• FOTOGRAFÍA: Geoffrey Unsworth
• REPARTO: Keir Dullea, Gary Lockwood, William Sylvester, Daniel Richter, Douglas Rain (HAL 9000, voz), Laonard Rossiter, Margaret Tyzack, Robert Beatty, Sean Sullivan, Frank Miller, Penny Brahms, Alan Gilfford, Vivian Kubrick.

Stanley Kubrick intenta resumir toda la historia del pensamiento de la humanidad en esta película y a pesar de todo lo que se diga pienso que la película está equilibrada de principio a fin. No acabo de entender ese afán conspiranoico u obselitismo de “2001”.

Nunca se ha escrito tanto sobre una película como con "2001", con mirar en la red, visitar una biblioteca o una librería es suficiente. El elemento clave por supuesto, es la aparición del manido monolito, el recurrido e híperinterpretado “MONOLITO”. Se le asignan teorías de toda índole, desde la intervención extraterrestre, la metáfora de la inteligencia, el conocimiento de Dios, la aparición del mal...en suma, innumerables.

Yo me inclino por una interpretación pesimista. Creo que el conocimiento, el desarrollo de la Inteligencia representado en ese Monolito paralelepípedo negro genera en los humanos la debacle. La “desilusión” ante la inteligencia. Este descubrimiento de la piedra “filosofal” conlleva para la especie humana un infalible poder destructivo: dominación y explotación sobre congéneres y naturaleza.

La conquista de la tecnología se va desarrollando desde la utilización de un hueso animal como arma para llegar al charco de agua, o la rebelión que mantiene el ordenador Hall contra el hombre por el control de la nave espacial hasta llegar a los límites del Superhombre. Tremendo.

Etiquetas: Stanley, Kubrick, pesimismo, Arthur, C., Clarke, 2001, odisea, espacia, monolito, espacio

Tati en “Playtime”, no me canso…

http://elrayoverde.blogia.com/2007/110101-playtime-1967-de-jacques-tati.-francia..php

Etiquetas: Playtime, Jacques, Tati, Hulot, Tatischeff, arquitectura, modernismo, crítica

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  • Titulo original: The Sting
  • Año: 1973
  • Duración: 129 Min.
  • País: USA
  • Director: George Roy Hill
  • Guión: David S. Ward
  • Música: Marvin Hamlisch
  • Fotografía: Robert Surtees
  • Reparto: Robert Redford, Paul Newman, Robert Shaw, Charles Durning, Ray Walston, Eileen Brennan, Harold Gould, Dana Elcar, John Heffernan.

SINOPSIS: Chicago, años treinta. Dos timadores deciden vengar la muerte de un viejo y querido colega del gremio a manos del más poderoso gángster de la ciudad.

No se puede decir nada de lo que no se halla dicho ya. Impresionante película que engancha irremediablemente y de las que no te cansas de mirar como las televisiones de programar. Tiene escenas inolvidables y el papel de los dos protagonistas es genial. Está llena de sorpresas y giros inesperados. Entretenidísima. Robert Shaw está insuperable al igual que sus secuaces. Un clásico por el que no pasan los años e imprescindible para entender lo del séptimo arte. ¿Cuántas veces la habré visto? He perdido la cuenta.

He leído una crítica a esta película por un tal Canéo de Burgos que me parece genial:

“hay miradas que matan, y hay críticos de Miradas que están ciegos o no quieren ver.que si tuvo demasiados oscars... pues bien, por mi parte, si hubiese 100 nominaciones posibles, le daría los cien oscars. entre ellos:
-A la mejor borrachera (sin serla).
-al mejor villano de la historia del cine.
-al mejor esbirro de villano de la historia del cine.
-a la mejor carrera de cien metros lisos sobre un tejado de chapa.
-al mejor café servido en una barra de bar.
-a los mejores pseudopintores de brocha gorda de la historia del cine.
-al mejor casting de carteristas.
-a la mejor gomina para el pelo que se ha usado en una escena”.

Etiquetas: golpe, newman, redford, shaw, atraco, roy, hill, paul

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  • TITULO ORIGINAL: The fly
  • AÑO: 1958
  • DURACIÓN 94 min.
  • PAÍS: USA 
  • DIRECTOR: Kurt Neumann
  • GUIÓN: James Clavell
  • FOTOGRAFÍA: Karl Strauss
  • MÚSICA: Paul Sawtell
  • REPARTO: Al Hedison, Patricia Owens, Vincent Price, Herbert Marshall.

Un clásico del cine fantástico que de pequeño me impresionó. Tuvo una secuencia de películas con diferente éxito pero me sigue gustando más está versión de 1958.

La acción se desarrolla en el laboratorio del científico, en el sótano de la casa y allí es donde se encuentra la maquina de teletransportar materia. El científico empieza a experimentar con su propio cuerpo, los resultados son sorprendentes. Esto da motivos a los reaccionarios para con la ciencia y la interpretación negativa sobre los peligros de los avances y los experimentos científicos. Hay momentos realmente espeluznantes y el final es tremendo.

Kurt Neumann desgraciadamente, se suicidaría antes del estreno de su película y no llegaría a conocer la verdadera dimensión y éxito de este inolvidable clásico.

Etiquetas: George, Langelaan, mosca, price, vicent, fly, Neumann, cine, fantástico, scifi

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    • TITULO ORIGINAL: Nueve Reinas
    • AÑO: 2000
    • DURACIÓN: 114 Min.   
    • PAÍS: Argentina 
    • DIRECTOR: Fabián Bielinsky
    • GUIÓN: Fabián Bielinsky
    • MÚSICA: César Lerner
    • FOTOGRAFÍA: Marcelo Camorino
    • REPARTO: Ricardo Darín, Gastón Pauls, Leticia Brédice, Tomás Fonzi, Elsa Balaguer, Celia Juárez, Antonio Ugo, Alejandro Awada, Ignasi Abadal, Óscar Núñez, Leo Dicen.

 

SINOPSIS: Buenos Aires. Algo une a Juan y Marcos, dos estafadores de poca monta que casualmente se ven envueltos en un asunto que les puede hacer millonarios.

Argumento peliagudo que te puede hacer sufrir. Crea un estado febril por el lioso desarrollo de la historia. Los personajes son tremendos y existe un juego de apariencias a lo largo de toda la película que recuerda a  “El golpe”, al tratarse de dos pillos de mucho cuidado y de un inquietante y original timo.

Etiquetas: bielinsky, nueve, reinas, darín, gastón, pauls, cine, argentino

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  • Titulo original: Guantanamera
  • Año: 1995  
  • Duración: 101 min.  
  • País: Cuba 
  • Director: Tomás G. Alea y Juan Carlos Tabío
  • Guión: Tomás G. Alea, Juan Carlos Tabío, Eliseo Alberto Diego
  • Música. José Nieto
  • Fotografía: Hans Burmann.
  • Reparto: Jorge Perugorría, Carlos Cruz, Mirta Ibarra, Raúl Eguren, Pedro Fernández, Luís Alberto García, Conchita Brando.

SINOPSIS: Un atípico cortejo fúnebre y un camión cubren el mismo recorrido, aunque con muy diferentes cometidos. 

Curiosa película remake de “La muerte de un burócrata”, distinta, que encuadra momentos de realismo mágicos, extraños, en la peculiar realidad social de la Cuba actual.

También resulta peculiar la evolución del director Tomás Gutiérrez Alea que desde las influencias del neorrealismo italiano en sus primeras películas se dirige hacia un realismo mágico muy propio de películas iberoamericanas.

En “Guantanamera” está presente la Santería, religión sincrética muy popular en Cuba, desde unos mensajes que me confunden al no ser experto. También hay quién ve una crítica al sistema político cubano. Las interpretaciones de los mensajes de “Guantanamera” se pueden encaminar, por lo visto, de dos modos: la crítica hacia el sistema o dentro de los procesos de rectificación inspirados por el gobierno de Fidel Castro.

La historia de este extraño cortejo fúnebre que recorre la isla no tiene nada de normalidad, como es el proceso de periodo especial cubano. La flamante idea de ahorrar gasolina cambiando el féretro de una carroza fúnebre a otra en cada provincia es idea del personaje que representa el funcionario del Partido y entremedias, una serie de historias paralelas cuestionables. La película da para debate, no se la pierdan.

Un gran éxito también para Juan Carlos Tabío y en contrapartida, una emoción añadida el acompañamiento musical perenne en toda la película del “Guantanamera” versionada por el grupo “Orígenes”.

Por último, sacado de una entrevista de Tomás G. Alea en 1993, una importante reflexión sobre el cine: "El cine no es retratar la realidad simplemente. El cine es manipular. Te da la posibilidad de manipular distintos aspectos de la realidad, crear nuevos significados y es en ese juego que uno aprende, lo que es el mundo". 

Etiquetas: guantanamera, tabío, alea, gutierrez, cine, cubano, perugorría

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      • Titulo Original: Purely Belter
      • Año: 2000
      • Duración: 99 Min.   
      • País: Reino Unido 
      • Director: Mark Herman
      • Guión: Mark Herman
      • Música: Ian Broudie & Michael Gibbs
      • Fotografía: Andy Collins
      • Reparto: Charlie Hardwick, Tim Healy, Roy Hudd, Kevin Whately, Chris Beattie, Greg Mclane, Alan Shearer.  

Sinopsis: Gerry, que aún va a la escuela y Sewell, que se encuentra en paro, están sin blanca. Su principal sueño es tener dos abonos de temporada, cada uno cuesta 1.000 libras, para ver jugar a su adorado equipo de fútbol el Newcastle United.Trailer película: http://www.terra.es/cine/trailers/trailers1.cfm?ID=2128

 El desempleo y el deterioro social están presentes en esta película sobre un par de adolescentes que idean cualquier artimaña para sacar dinero con el fin de comprar dos abonos y ver jugar a su equipo de fútbol. La situación familiar no les va a la zaga y su identificación con el club es predecible y en  St. James Park, el estadio del Newcastle es donde se sienten como en un sueño. No desean más pero los problemas crecen a su alrededor y el fútbol es solo un escape de la realidad.

Como curiosidad está el papel de Alan Shearer, jugador del Newcastle United que se interpreta  así mismo. A Shearer lo bautizaron como “El Ángel del Norte” en St. James Park estadio del Newcastle United y antes de una final contra el Manchester United, pusieron a una estatua de 20 metros su camiseta. Su condición goleadora y su rechazo a fichar por el Manchester United, lo convirtió en el centro de las iras de muchos ingleses. Le dieron el título de ciudadano de honor de Newcastle. “el mejor exponente de esta ciudad en todo el planeta”, dijo el alcalde.

Etiquetas: alan, shearer, herman, newcastle, united, hardwick, fútbol, película

• Titulo original: Brassed off
• Año: 1997 
• Duración: 107 min.  
• País: Reino Unido 
• Director: Mark Herman
• Guión: Mark Herman
• Música: Trevor Jones
• Fotografía: Andy Collins
• Reparto: Ewan Mcgregor, Tara Fitzgerald, Pete Postlethwaite, Jim Carter, Stephen Tompkinson.

SINOPSIS: La mina de carbón de un pueblo minero del norte de Inglaterra corre peligro de ser cerrada en los años de gobierno de Margaret Thatcher. La banda de música de los mineros, toda una institución del lugar con más de un siglo de historia, también corre peligro de desaparecer.

Bonita película donde la música y los buenos sentimientos destacan entre el entorno negro de las minas de carbón y su incierto futuro. Las dificultades económicas que deben afrontar los trabajadores no hace sucumbir la pasión por la música y la solidaridad entre los compañeros que tiene como colofón un premio increíble, la actuación en el Albert Hall de Londres.

Etiquetas: tocando, viento, herman, mark, banda, música

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    • Titulo Original: Shakespeare In Love
    • Año: 1998 
    • Duración: 123 Min.  
    • País: USA 
    • Director: John Madden
    • Guión: Marc Norman & Tom Stoppard
    • Música: Stephen Warbeck
    • Fotografía: Richard Greatrex
    • Reparto: Gwyneth Paltrow, Joseph Fiennes, Judi Dench, Geoffrey Rush, Colin Firth, Ben Affleck, Tom Wilkinson, Simon Callow, Jim Carter, Martin Clunes, Antony Sher, Imelda Staunton, Mark Williams.

 Cine puro. Sin pretensiones hace pasar deliciosamente las dos horas que dura. Muy nominada a los Oscar tiene muchos objetores en contra. La historia es sencilla y engancha hasta el final. Los diálogos son claves en contenido y humor. No es extraordinaria pero a mi me parece muy recomendable.

La poesía, el teatro, el amor se hallan diseminados a lo largo y ancho de la vida del joven William Shakespeare en Londres cuya fortuna como escritor le es esquiva. Las escenas románticas son apasionantes, captan el halo y la imaginación de los protagonistas, William y Viola. El ambiente del Londres del siglo XVI narra por si solo los problemas de la época y también el "encanto" de una compañía teatral.

No buscar dobles lecturas, disfrutad de la película, independientemente de cualquier otro rigor histórico que no lo pretende.

Etiquetas: shakespeare, enamorado, LOVE, romeo, julieta

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    • Titulo Original: Titanic
    • Año: 1997 
    • Duración: 194 Min.  
    • País: USA
    • Director: James Cameron
    • Guión: James Cameron
    • Música: James Horner
    • Fotografía: Russell Carpenter
    • Reparto: Leonardo Dicaprio, Kate Winslet, Billy Zane, Kathy Bates, Frances Fisher, Bernard Hill, Jonathan Hyde, Danny Nucci, David Warner, Bill Paxton, Gloria Stuart, Victor Garber.

 

La tragedia del Titanic y en medio una historia de amor. Una película de cine en estado puro. No se hace larga. Hay que verla como se merece, en una pantalla grande y ajenos a cualquier perturbación medio ambiental. Ideal para dejar de tener miedo a navegar por el Atlántico Norte. Una joya del cine comercial sin más. Trasmite los sentimientos típicos de las historias de amor del cine clásico y se sale de la sala con agua hasta el cuello, la vi en los multicines Citté de Madrid, en la súper-pantalla y no defrauda nada si se va al cine sin raras pretensiones, a pesar de los clichés que sus detractores otorgan a “Titanic” como película excesivamente comercial, banal y ridícula.

Los efectos especiales son espectaculares, los decorados muy precisos y detallados y la banda sonora magnifica. En fin, esmerada super-mega-producción.

Etiquetas: titanic, cameron, dicaprio, james, transatlantico

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  • TITULO ORIGINAL Requiem
  • AÑO 2006
  • DURACIÓN 93 min.  
  • PAÍS: Alemania Federal. 
  • DIRECTOR Hans-Christian Schmid
  • GUIÓN Bernd Lange 
  • FOTOGRAFÍA Bogumil Godfrejów
  • REPARTO Sandra Hüller, Burghart Klaußner, Imogen Kogge, Anna Blomeier, Nicholas Reinke

Buena película sobre una familia profundamente religiosa con una hija luchando fervientemente contra su enfermedad, la epilepsia. Es dura por las paradojas que se dan entre los familiares ante una situación de crisis, ante el incipiente amor, ante la religión y ante los diversos personajes que entran en acción. Crea sentimientos dispares, ambiguos y desespera alguna que otra actitud. También encuentro puntos de convergencia, de asimilación, de incomprensibilidad. Un drama tremendo basado en un supuesto caso de posesión diabólica o del sufrimiento de una joven por su enfermedad, no deja indiferente. 

• Premios:
  •  2006. Festival de Berlín: Mejor actriz (Sandra Hüller)
  •  2006. Festival de Sitges: Mejor película y Mejor actriz (Sandra Hüller).

Etiquetas: requiem, sandra, hüller, schmid, posesión, epilepsia

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  • TITULO ORIGINAL: I soliti ignoti
  • AÑO 1958
  • DURACIÓN 100 min.   
  • PAÍS: Italia 
  • DIRECTOR Mario Monicelli
  • GUIÓN Mario Monicelli, Age, Scarpelli, Susso Cecchi d'Amico
  • MÚSICA Piero Umiliani
  • FOTOGRAFÍA Gianni di Venanzo
  • REPARTO Marcello Mastroianni, Vittorio Gassman, Claudia Cardinale, Totò, Tiberio Murgia, Renato Salvatori, Carla Gravina, Memmo Carotenuto 

SINOPSIS: Un grupo de ladronzuelos, aconsejados por un ladrón ya retirado, decide preparar un gran robo en las oficinas romanas del Monte de Piedad, con la esperanza de que les saque de la miseria en la que viven.

Etiquetas: monicelli, rufufú, mastroianni, comadre, totó, mario, marcello

• TITULO ORIGINAL: The Odyssey.
  PAIS: Grecia, Italia, Alemania, USA.
  DURACION: 173 Minutos.
  AÑO: 1997.
  DIRECTOR: Andrei Konchalovsky.
  GUION: Andrei Konchalovsky y Chris Solomine (adaptación de “La Odisea” de Homero).
  INTERPRETES: Armand Assante, Christopher Lee, Geraldine Chaplin y Isabella Rossellini.
  PRODUCTOR: Dyson Lovell, Francis Ford Coppola, Fred Fuchs y Nicholas Meyer.
  MUSICA: Eduard Artemyev.
  FOTOGRAFÍA: Sergei Kozlov. 

Sinopsis: Ulises es el rey de Ítaca. Comparte el trono con Penélope, su bella esposa, con la que tiene un hijo, Telémaco. La campaña de Troya requiere su presencia, por lo que, muy a su pesar, debe dejar a su familia y a su patria por un tiempo. 

Una serie de TV con todos los ingredientes de la aventura sobre el mito del héroe griego. Muy lograda con unos efectos especiales estupendos y una cadencia narrativa que no se pierde en ningún momento. Los decorados también son reseñables y las ambientaciones son muy sugerentes. La adaptación puede gustar o no. Es muy entretenida y no falta de nada a lo largo de tres horas de largometraje. Os recomiendo que la veáis. En Viveiro (Lugo) la encontré por 3 € en DVD en una librería de entre una maraña de películas inclasificables.

Etiquetas: odisea, ulises, penélope, ítaca, odyssey, assante

• TITULO ORIGINAL: Viaggio In Italia
• AÑO: 1954
• DURACIÓN: 80 Min.
• PAÍS: Italia 
• DIRECTOR: Roberto Rossellini
• GUIÓN: Roberto Rossellini, Vitaliano Brancati, Antonio Pietrangeli
• MÚSICA: Renzo Rossellini
• FOTOGRAFÍA: Enzo Serafin
• REPARTO: Ingrid Bergman, George Sanders, Maria Mauban, Paul Muller, Anna Proclemer, Leslie Daniels

La mujer como deseo. Pienso en la mirada de Ingrid Bergman y siento la fascinación por su cuerpo. Cuando estuve en Stromboli (Italia), nos retratamos ante la casa que Roberto Rossellini e Ingrid Bergman compartieron durante el rodaje de Stromboli (1949), el recuerdo del rostro melancólico de “Viaggo in Italia” se convertía en cierto goce erótico propiciado al estar frente aquella casa roja en medio de un pueblo blanco y azul...la seducción de Ingrid en mi persona era inequívoca. Tengo la sensación irrenunciable de esa atracción y de esa penetración amorosa en mi imaginario sexual. Constato bellos momentos de solo pensar en ella.

Los instantes de la película “Viaggo in Italia” son sublimes, está tan bien y los efectos naturales de su interpretación  me hacen reaccionar hasta las dimensiones más imprevistas.

Embelesado con la belleza de Ingrid, me suscitó esta película muchas sensaciones. El argumento gira en torno a la relación de una pareja madura que tras años de convivencia siguen juntos por rutina, en Italia descubren que no se conocen y que se aburren. El viaje que hacen les va a resultar extraño y a la vez, fascinante. La evolución de la crisis de la pareja es claro, el deterioro y la incomunicación patente. La película esta llena de momentos impresionantes y se centra más en el punto de vista de la protagonista femenina. Hay secuencias que son terriblemente emotivas. Los silencios, propiciados por las escenas aparentemente intranscendentes, son terriblemente evocadores y me maravillo con la historia de inevitable propensión a la metáfora.

Digo que a muchos les podrá parecer aburrida, tediosa, un ladrillo tremendo pero las sensaciones personales son únicas y me dejan indemne ante otro tipo de aspiraciones entusiastas y contagiosas.

Etiquetas: rossellini, bergman, 1954, roberto, Ingrid, stromboli

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  • Titulo Original: Cyrano de Bergerac
  • Año: 1990  
  • Duración: 135 Min.  
  • País: Francia. 
  • Director: Jean-Paul Rappeneau
  • Guión: Jean-Claude Carrière & Jean-Paul Rappeneau (Obra: Edmond Rostand)
  • Música: Jean-Claude Petit
  • Fotografía: Pierre Lhomme
  • Reparto: Gérard Depardieu, Jaques Weber, Vincent Pérez, Anne Brochet, Roland Bertin, Joseane Stoleru, Philippe Volter, Philippe Morier-Genoud, Pierre Maguelon. 

“Dad gracias a Dios por haberme concedido un alma lo bastante razonable para no creer todo lo que dice todo el mundo, ya que todo el mundo puede decir de todo. Si no fuera así, habría aplicado a vuestra bilis un antídoto más sólido y potente que el discurso.” Cyrano.

  SINOPSIS: “Cyrano es poeta y mosquetero que expresa su amor por la bella Roxane por boca de Christian, el apuesto soldado a quien ella ama...”

 Está adaptación de la obra de Rostand  de  1897 es genial. Parece ser que el productor de la película esperó hasta que los derechos de propiedad intelectual expirasen para no gastarse parte del presupuesto en ellos.He visto esta película numerosas veces.

Los diálogos en verso son apasionados, bellos, puro ingenio, emocionan. Hay que hacer mención especial al doblaje en castellano, espectacular y aunque no sé francés, parece que fielmente traducido. La obra se está representando en el Teatro Español en Madrid, tengo intención de ir a verla, cuando la haga publicaré un comentario aquí mismo.

La película está ambientada en la Guerra de los Treinta Años, en 1636 el cardenal Richelieu considera el enfrentamiento con España y el resultado fue la declaración de una dramática guerra. 

Otra mención es para la banda sonora, sensacional y reconocible aunque dicen que sospechosamente parecida a la BSO de Batman. Existe otra versión de 1950, norteamericana, interpretada por José Ferrer bastante interesante. Hay otras adaptaciones pero carecen de relevancia.

Etiquetas: cyrano, bergerac, rappenau, rostand, edmond, depardieu

 

Año: 1971
Director: Jorge Sanjinés.País: Bolivia e Italia.Duración: 90 minutos.
Guión: Oscar Soria y Jorge Sanjinés
Producción: Grupo UKAMAU y Radio Televisión Italiana
Fotografía: Antonio Eguino
Sonido: Nilo Soruco - - -Reparto: Domitila Chungara, Vicente Verneros, Gilberto Bernal, Eusebio Gironda, Víctor Hugo Baspineiro.

  Sinopsis: En junio de 1967 en Bolivia se produce la masacre de San Juan contra los trabajadores mineros. Los personajes testimonian sus vivencias sobre los trágicos acontecimientos provocados por las fuerzas represoras del régimen, bajo el pretexto de sofocar un movimiento sindical subversivo. 

Se trata de un cine profundo, emocional, realista, documental. Es el cine preocupado por el sentimiento y la tragedia de las gentes oprimidas sin posibilidades de resarcirse, por mostrar las condiciones de miseria y explotación de las minas andinas. Es el compromiso serio del cineasta con una sociedad. Es la búsqueda de la identidad del pueblo indígena y su fase combativa.

Se la considera una obra pionera, al introducir a los protagonistas verdaderos como actores de sus propias experiencias dramáticas. Es una película muy rustica pero con una carga emocional enorme. Se rodó en cuatro meses y la productora era la RAI italiana a la que se le ocultaba la verdadera versión de la película, cuando se estrenó los ejecutivos italianos se quedaron estupefactos.   

Premios:

 MEJOR FILME de la Settima Mostra Internazionale di Pesaro 1971, Italia.  

PREMIO OCIC del XXII Festival Internacional de Cine de Berlín 1972, Alemania Federal.

PREMIO "Kantuta de Plata 1979" al Mejor Filme Boliviano. La Paz, Bolivia.

Etiquetas: sanjinés, jorge, ukamau, 1971, RAI

• Titulo original: La muerte de un burócrata
• Año: 1966 
• Duración: 85 min.
• País: Cuba 
• Director: Tomás G. Alea
• Guión: Tomás G. Alea & Alfredo del Cueto
• Música: Leo Brouwer
• Fotografía: Ramón Suárez
• Reparto Salvador Wood, Silvia Planas, Manuel Estanillo, Gaspar De Santelices, Carlos Ruiz De La Tejera.

SINOPSIS: “Un obrero ejemplar es enterrado con su carnet laboral en reconocimiento a sus méritos, pero su viuda no puede cobrar la pensión sin este documento.”

Etiquetas: alea, cuba, burócrata, muerte, tomás, gutierrez

• Titulo Original: Modern Times
• Año: 1936
• Duración: 89 Min. 
• País: Usa
• Director: Charles Chaplin
• Guión: Charles Chaplin
• Música: Charles Chaplin
• Fotografía: Rollie Totheroh & Ira Morgan.
• Reparto: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Henry Bergman, Chester Conklin, Stanley Stanford, Hank Mann, Louis Natheaux, Allan Garcia.

SINOPSIS: Un obrero de la industria del acero acaba perdiendo la razón, extenuado por el frenético ritmo de la cadena de montaje de su trabajo.

Película de 1936 sobre la explotación capitalista desde una perspectiva socialmente comprometida, entretenida aunque tiene momentos que se hacen pesados. Los veinte primeros minutos son magistrales. A pesar de todo, hay que verla desde la época en la que fue rodada, como cine mudo, en blanco y negro, y en el desarrollo inicial de la industria del cine.

La preocupación de Chaplin por las consecuencias que el sistema capitalista producía en los obreros es patente, es crítico contra la mecanización y la especialización que imponen las maquinas. Memorables son las escenas de Chaplin apretando tuercas a diestro y siniestro o cuando le engulle literalmente el engranaje de la maquinaria.

Etiquetas: chaplin, modern_times, charlot, clair, charles, 1936

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  • Titulo original: Psycho
  • Año: 1960  -  Duración: 109 min. 
  • País: USA 
  • Director: Alfred Hitchcock.
  • Guión: Joseph Stefano (novela: Robert Bloch). Música: Bernard Herrmann.
  • Fotografía: John L. Russell
  • Reparto: Anthony Perkins, Janet Leigh, John Gavin, Vera Miles, John Mcintire, Martin Balsam, Simon Oakland.

 “Una joven secretaria, tras cometer un robo, se marcha de la ciudad y conduce durante horas, parando para descansar en un pequeño motel de carretera…”, esta película es magnifica, aterradora y harta de suspense. Rezuma Freud por toda la cinta. Una clásica del maestro Alfred Hickcock.

La magnífica banda sonora, tan descomunal como asociada a la película, produce tensión a mares y la experiencia es que nos insufla cantidades considerables de angustia.

Janet Leigh está buenísima y a los tres cuartos de hora se la carga Hickcock y comienza una nueva película. Sería asombroso encontrar a alguien que no la hubiera visto todavía, ha sido pasada por TV miles de veces. El papel de Anthony Perkins le marcaría de por vida, quedaría ensamblado al personaje de Norman Bates. 

La archiconocida escena de la ducha es inigualable, el violín nos mantiene toda la escena sin aliento describiendo siniestramente los gritos mudos de Leigh. Las obsesiones del personaje de Perkins te dejan clavado, inquieto.

el remake de Psicosis de  Gus Van Sant es curioso, es exacta a la original, solo que rodada en color. Creo que no se ha hecho nada igual nunca.

Etiquetas: psicosis, hitchcock, ducha, bates, perkins, leight

 

Titulo original: 300 (three hundred) Año: 2007   Duración: 117 min.   País: USA  Director: Zack Snyder Guión: Zack Snyder, Kurt Johnstad (cómic: Frank Miller, Lynn Varley) Música: Tyler Bates

Fotografía: Larry Fong

Reparto: Gerard Bbutler, Lena Headey, David Wenham, Dominic West, Vincent Regan, Rodrigo Santoro, Michael Fassbender, Andrew Tieman, Andrew Pleavin, Tom Wisdom, Tim Conolly, Tyler Max Neitzel, Mercedes Leggett.

SINOPSIS: Adaptación del cómic de Frank Miller sobre la batalla de las Termópilas, ocurrida en el año 480 A.C. durante las Guerras Médicas, en las que Jerjes, emperador de Persia, trataba de conquistar Grecia. Atenas consiguió convencer a Leónidas I, rey de Esparta, para que participase en la guerra contra los persas. Así, el rey Leonidas y 300 espartanos se enfrentan a un inmensamente superior ejército persa...

 Entretenida adaptación. Efectivamente la historia esta tergiversada pero no creo que se haya querido tener fidelidad histórica, es como en las narraciones épicas medievales que se exacerbaban las hazañas de los caballeros contra el ejercito enemigo. “300” es una exaltación deslumbrante de los héroes espartanos, el del sacrificio por el bien común. Repito, no es una película histórica.

La película se me hizo corta, el ritmo narrativo no tiene altibajos y engancha hasta el final. Es curioso entrar en algunos foros, hay opiniones para todos los gustos. No pasa lo que se dice desapercibida. Muchos ven mensajes subliminales por doquier. Creo que es más simple que todo eso. Es fantasiosa, saturada de violencia, escenarios irreales llenos de imágenes impactantes y vertiginosos efectos especiales. En cine no todo puede ser rigor histórico, se trata de verla como una fábula, una leyenda, está basada en un comic y de lo que se trata es que nos entretenga.

La banda sonora con guitarra eléctrica incluida produce una fusión intemporal, es un planteamiento atrevido.

Ahora estoy pensando en otra película, “El león de Esparta”. Que cada cual la interprete a su gusto.

Etiquetas: 300, miller, termópilas, leónidas, esparta

• TITULO ORIGINAL Playtime
  AÑO 1967
  DURACIÓN 167 min.  
  PAÍS:Francia 
  DIRECTOR Jacques Tati
  GUIÓN Jacques Tati & Jacques Lagrange
  MÚSICA Francis Lemarque
  FOTOGRAFÍA Jean Badal & Andréas Winding
  REPARTO Jacques Tati, Barbara Dennek, Jacqueline Lecomte, Valérie Camille, France Rumilly, Rita Maiden, Erika Dentzler, Nicole Ray, Billy Kearns, Georges Faye, John Abbey.

Quiero hablar del modo de romper moldes en cine...el cine como propagación de resistencia a los modos de manipulación.
Jacques Tati lo conocí gracias a Miguel, del barrio, cuando me comentó de un ciclo de la 2 de TVE que lo estaba echando. Allí vi por vez primera “Las vacaciones del señor Hulot” y fue mi descubrimiento de las potencialidades ocultas del cine. “Playtime” fue un rotundo fracaso comercial y un autentico problema de deudas para el director y actor, un estrambótico personaje que arriesgó su fortuna en “Playtime”, su filme de total implicación y de dolorosa correspondencia con el éxito de publico.

La película es genial, exponente agotador de un viaje sin limites donde el espectador puede escoger distintos puntos de vista. Es la obra maestra, el emblema del cine de Tati. Un humor raro, con su propia identidad y crítico con las perspectivas de prosperidad que los avances tecnológicos auguraban. Un delicioso perfeccionista en la convicción del poder evocador del lenguaje del cine.

El personaje protagonista, el señor Hulot, es una apuesta aguda del enorme valor de la exactitud y de las incomodas sensaciones de los convencionalismos. En fin, podría seguir...porque soy INCONDICIONAL de Tati al que recurro a visitar como la poesía se proyecta en el deseo de recrear belleza.

Etiquetas: tati, playtime, hulot, dennek, lemarque

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  • Titulo Original: Blade Runner.
  • Año: 1982. 
  • Duración: 112 min.  
  •  País: Usa 
  • Director: Ridley Scott.
  • Guión: David Webb Peoples & Hampton Fancher (Novela: Philip K. Dick).
  • Música: Vangelis.
  • Fotografía: Jordan Cronenweth.
  • Reparto: Harrison Ford, Sean Young, Daryl Hannah, Rutger Hauer, Edward James Olmos, Joanna Cassidy, Brion James, Joe Turkel.

Sinopsis:A principios del siglo XXI, la poderosa Tyrell Corporation desarrolló un nuevo tipo de robot llamado Nexus, un ser virtualmente idéntico al hombre y conocido como Replicante. Los Replicantes Nexus-6 eran superiores en fuerza y agilidad, y al menos iguales en inteligencia, a los ingenieros de genética que los crearon. En el espacio exterior, los Replicantes fueron usados como trabajadores esclavos en la arriesgada exploración y colonización de otros planetas. Después de la sangrienta rebelión de un equipo de combate de Nexus-6 en una colonia sideral, los Replicantes fueron declarados proscritos en la Tierra bajo pena de muerte. Brigadas de policías especiales, con el nombre de Unidades de Blade Runners, tenían órdenes de tirar a matar al ver a cualquier Replicante invasor.

El género de ciencia-ficción es uno de mis favoritos. Esta película la vi hace muchos años y la he vuelto a ver con otros ojos. Me ha gustado menos que la primera vez.

La idea de futuro de Ridley Scott es decadente, toda la película es nocturna y la ciudad esta plagada de luces de neón y vallas publicitarias descomunales, contaminación por gases y suciedad en las calles, una sórdida ambientación para una ciudad de Los Ángeles corrompida y siniestra.

La banda sonora está a lo largo y ancho de toda la película, y ayuda a colocarnos en una situación de desazón tremenda. La ciudad esta presidida por una lluvia gris que todo lo inunda. El futuro es incierto, el porvenir está en la oferta publicitada de una nueva vida mejor en el espacio exterior y los garitos infectos de tráfico de órganos artificiales muestran el devenir de una sociedad putrefacta. El protagonista, que mata sin remordimientos por la espalda a los replicantes, también se involucra en este panorama. Al final, no sabemos si él mismo es un replicante, sobre todo si vemos la versión modificada por Ridley Scott, diferente de la estrenada en 1982.

La necesidad de trascendencia de los replicantes da lugar a un cierto debate: el desarrollo de los robots inteligentes para ser esclavos, ¿es de justicia?, el hecho que un ser artificial genere emociones, ¿le da derechos? …preguntas que en un futuro no serán mera conjeturas.

Etiquetas: ridley, scott, runner, blade, replicantes

• Titulo original: Alien
• Año: 1979
• Duración: 116 min.  
• País: Reino Unido. 
• Director: Ridley Scott
• Guión: Dan O'bannon (novela: Joseph Conrad)
• Música: Jerry Goldsmith
• Fotografía: Dereck Vanlint & Denys Ayling
• Reparto: Sigourney Weaver (impresionante), John Hurt, Yaphet Kotto, Tom Skerritt, Veronica Cartwright, Harry Dean Stanton, Ian Holm. 

Sinopsis:De regreso a la Tierra, la nave de carga Nostromo interrumpe su viaje y despierta a sus 7 tripulantes. El ordenador central ha detectado una misteriosa transmisión, de una forma de vida desconocida, procedente de un planeta cercano. Obligados a investigar el origen de la comunicación, la nave se dirige al extraño planeta… 

Un clásico de la ciencia-ficción, terror y suspense en toda regla. He leído que esta basada en una secuela de películas de la década de los 60, a saber: “The terror from beyond space” (Edward L Cahn, 1958), de “Terrore nello spazio” (Mario Bava, 1965) y de “The green slime” (Kinji Fukasaku, 1968). Será interesante hacerse con ellas.

El octavo pasajero es recogido “accidentalmente”, es inhumano e invencible, desconocido para nosotros al que no le vemos hasta muy entrada la película, eso nos lleva a imaginar, a sentir terror, a estar incómodos, a llevarnos algún que otro susto. Es el miedo a lo invisible. El alien irá evolucionando, su desarrollo va desde el parasitismo inicial hasta la depredación total. Es curioso lo que alguien ha hecho notar en algún foro de cine "todas sus víctimas pecan de algún defecto humano: el curioso Kane (John Hurt), el imprudente Brett (Harry Dean Stanton), el osado Dallas (Tom Skerrit), la miedosa Lambert (Cartwright) y el indeciso Parker (Yaphet Koto)”.

La nave espacial donde se desarrolla la acción es otro modelo de nave a la del tipo “2001”, está más en la línea de la futura “Blade Runner”, Nostromo es una nave oscura y claustrofóbica que ayuda a mantener el suspense, da la sensación de suciedad todo lo contrario al orden meticuloso de Hall.

Etiquetas: nostromo, skerrit, ridley, alien, conrad

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  • Título original: A night at the opera
  • Año: 1935   Duración 94 min.   País: USA 
  • Director: Sam Wood Guión: George S. Kaurman y Morrie Rysking
  • Música: Herbert Stothart
  • Fotografía: Merrit B. Gerstad 
  • Reparto: Groucho Marx, Harpo Marx, Chico Marx, Margaret Dumont, Kitty Carlisle, Allan Jones, Sig Ruman, Walter Woolfking, Edward Keane

  Lo que se dice una película de risa. Ver a mi padre descojonarse con esta película me divertía también mucho. Inolvidable. El humor irónico, rápido y despiadado de Groucho Marx contra la aristocracia rezuma por los cuatro costados. Sus expresiones están en línea con el surrealismo, se han hecho famosas y algunas escenas son imborrables.

Contras:

1.  
   1. Los números musicales son largos y tediosos.
   2. Algún fallo de montaje que hace que algunas escenas se corten de repente o se engarcen en el que ni siquiera están en la misma posición los actores.
   3. Los secundarios están insulsos, exceptuando a Margaret Dumont.

 He sacado algunos diálogos trepidantes de “Una noche en la ópera”, no se pueden olvidar:

•  
  • -“la parte contratante de la primera parte…”
  • -"Estaba con esa mujer porque me recuerda a usted... sus ojos, su cara, su risa... todo me recuerda a usted... excepto usted."
  • -"Como pienso despacio, necesito todo el día."
  • -"Si me despide, retiro mi proposición de matrimonio."
  • -“Soy el ayudante del plomero.
     -Tenía el presentimiento de que iba usted a venir.”
  • -“Hasta luego cariño... ¡Caramba!, la cuenta de la cena es carísima... ¡Es un escándalo!... ¡Yo que tú no la pagaría!"
  • -“ Recordad que estamos luchando por el honor de esa mujer, lo que probablemente es más de lo que ella hizo nunca por sí misma."
    -“Oiga mozo, ¿y no sería más fácil que en lugar de intentar meter mi baúl en el camarote, metiera mi camarote dentro del baúl?"
  • -Groucho Marx, en la entrada de la Scala, regaña al cochero y le espeta: “¡Eh, oiga! ¡Le dije que fuera más despacio; por su culpa tengo que oír la ópera!”

 Se cuenta que el guionista, harto de que improvisaran los hermanos Marx hizo trizas el guión y lo pegó con cola en el techo del famoso camarote. Otra curiosidad es sobre Margaret Dumont, Groucho dijo que "era una gran dama, murió en la miseria y actuaba junto a él porque no entendía sus chistes".

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• Año: 1988  
• Duración: 123 min.  
• País: España 
• Director: Carlos Saura
• Guión: Carlos Saura
• Música: Alejandro Massó
• Fotografía: Teo escamilla
• Reparto: Omero Antonutti, Inés Sastre, Lambert Wilson, José Sancho, Francisco Algora, Eusebio Poncela, Gabriela Roel, Feodor Atkine.

¨

La historia de Lope de Aguirre sobre su expedición en el siglo XVI en Sudamérica, tras separarse de la expedición de Gonzalo Pizarro intentó descubrir la mítica ciudad de El Dorado perdida en el Amazonas. Desde Perú hasta la desembocadura del río en el océano.

Tiene que haber obligatoriamente referencia a la Película de Werner Herzog de 1973. Se trata de dos películas sobre el mismo tema, distintas de enfoque pero magnificas. La interpretación del Lope de Aguirre de Omero Antonutti en la de Carlos Saura es impresionante, a la altura del de Klaus Kinski en “Aguirre, la cólera de Dios”. Puede haber dudas por cual de los dos nos decantamos pero en mi opinión, están los dos que se salen. El resto de los intérpretes son sólidos, mención especial a Eusebio Poncela. El único contra a mi parecer en “El Dorado”, es la interpretación de Inés Satre que flojea un poco. La búsqueda de la quimera de El Dorado es la historia de la aventura humana como es la aventura espacial o fue la conquista de los polos. En el siglo XVI aventurarse por el Amazonas con 300 hombres pertrechados de armaduras de hierro y caballos era una locura propia del deseo inquebrantable del espíritu humano.

Esta película esta infravalorada, fue un rotundo fracaso comercial y de crítica pero creo se trata de una obra maestra, de una ambientación rigurosa y de una fidelidad a los hechos históricos estricta.

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• TITULO ORIGINAL Paths of Glory
• AÑO 1957
• DURACIÓN 86 min.  
• DIRECTOR Stanley Kubrick
• GUIÓN Stanley Kubrick, Calder Willingham, Jim Thompson  (Novela: Humphrey Cobb)
• MÚSICA Gerald Fried
• REPARTO Kirk Douglas, Ralph Meeker, Adolphe Menjou, George MacReady, Wayne Morris, Richard Anderson, Joseph Turkel, Timothy Carey, Peter Capell, Susanne Christian, Bert Freed, Emile Meyer

Francia 1916, el coronel Dax (Kirk Douglas) intenta conquistar la inexpugnable colina ocupada por los alemanes. Las tropas francesas tienen que retroceder. Ante esa derrota, el alto mando francés decide castigar a sus soldados. 

La canción de la prisionera alemana ante los soldados franceses es emocionante, un final intenso. Ella se pone a llorar ante los abucheos de los soldados franceses que la piden que cante. Cuando comienza a cantar, todos guardan silencio ante la dulzura de la chica.

No os va a defraudar, es inolvidable.

Es una crítica demoledora contra el cinismo de las guerras, contra la brutalidad sin sentido de generales cobardes, una reflexión desesperada de Kubrick por la Paz. La película tiene una carga emocional tremenda con un mensaje claro y rotundo.

Los 86 minutos que dura la película se hacen cortos. Cada momento es imborrable, de un realismo asombroso y de máxima tensión. Los diálogos impresionantes, geniales  y  memorable es con el que el coronel Dax recuerda al general la frase de: "el patriotismo es el último reducto de los canallas”.

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De entre de los entresijos de internet, entre los reenvios que nos atiborran de sandeces,  a veces se encuentran maravillas insospechadas. El video de YouTube “Battle at Kruger”, http://www.youtube.com/watch?v=LU8DDYz68kM , ha tenido un record de visitas y más de 16.097 comentarios hasta este preciso momento. Es un simple video grabado por un videoaficionado que muestra el enfrentamiento entre unos animales salvajes en África: una cría de búfalo es atacada por unos leones, un cocodrilo luchará por la presa contra los leones, en un momento dado vuelve a aparecer la manada de búfalos, en mayor número, que regresan a salvar a la cría.

Esta historia, perfecta de un western, tiene como singularidad que está grabada en un plano secuencia único de casi ocho minutos, sin montaje de ningún tipo. Es emocionante verlo y carece de los preparativos de los documentales de fauna al uso de la TVE2 o de Discovery Channel. La película no tiene desperdicio y no está falseada por el montaje, lo que hace que nos maravillemos. Es un ejemplo de lo que con medios precarios y mucha suerte puede suceder con una pequeña cámara.

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• TITULO ORIGINAL Zwartboek (Black Book)
• DURACIÓN 135 min.
• PAÍS  Holanda
• DIRECTOR Paul Verhoeven
• GUIÓN Paul Verhoeven, Gerard Soeteman
• MÚSICA Anne Dudley
• FOTOGRAFÍA Karl Walter Lindenlaub
• REPARTO Carice van Houten, Thom Hoffman, Gijs Scholten van Aschat, Jochum ten Haaf, Halina Reijn, Sebastian Koch, Waldemar Kobus

Una buena película sobre la II Guerra Mundial. La resistencia holandesa en lucha contra la ocupación alemana. Un drama con toda una serie de episodios complejos y  de desarrollo espectacular. Se muestran las dos caras del conflicto, el lado humano y la deshumanización de la guerra, en todos los bandos: judíos, resistencia holandesa y nazis.

 Me ha encantado y se pasan las más de dos horas empapados en intriga y sorpresas. La protagonista femenina está brillante y hay que estar muy atento a sus intervenciones.

En fin, se trata de una película europea sin buenos buenos ni malos malos, un cine de intriga lleno de emoción.

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TITULO ORIGINAL Full Metal Jacket

AÑO 1987   

DURACIÓN 120 min.

PAÍS: REINO UNIDO DE LA GRAN BRETAÑA 

DIRECTOR Stanley Kubrick

GUIÓN Stanley Kubrick, Michael Herr, Gustav Hasford (Novela: Gustav Hasford)

MÚSICA Abigail Mead

REPARTO Matthew Modine, Vincent D'Onofrio, Adam Baldwin, R. Lee Ermey, Dorian Harewood, Arliss Howard, Kevyn Major Howard, Ed O'Ross, Gary Landon Mills, Sal López, John Stafford, Kieron Jecchinis, Ngc Le, Papillon Soo Soo. 

El duro entrenamiento al que se ven sometidos los reclutas por parte del sargento Hartman en la primera parte de la película es imborrable, un infierno tremendo donde los reclutas se van transformando en maquinas de matar, en marines, todo ello aderezado por los improperios e insultos del sargento. Parece ser que Lee Ermey, el sargento del campamento, no tuvo necesidad de memorizar su papel ya que le salía espontáneamente, de manera natural. Las situaciones cuarteleras son extrañamente divertidas, hilarantes, mezcladas con pasajes estremecedores. Ahora que estoy escribiendo esto, un compañero de trabajo me dice que es más película Platoon, literalmente, de aquí a Sebastopol.

En fin, encontrando por ahí os paso la bienvenida que hace el sargento Hartman al pelotón de reclutas:  

-¡Soy el sargento de artillería Hartman, vuestro instructor jefe! ¡A partir de ahora únicamente hablareis cuando se os hable, y la primera y la última palabra que saldrá de vuestros sucios picos será "señor", ¿me entendéis bien capullos?!

-(Todos): ¡Señor, si señor!

-¡Qué coño, no os oigo, gritad como si tuvierais huevos!

-(Todos): ¡Señor, si señor!

-¡Si algunos de vosotros, nenas, sale de esta isla, si sobrevivís al entrenamiento, seréis como armas, ministros de la muerte, siempre en busca de la guerra! ¡Pero hasta que llegue ese día sois una cagada, lo más bajo y despreciable de la tierra, ni siquiera algo que se parezca a un ser humano! ¡Sólo sois una cuadrilla de desgraciados, una panda de mierdas inútiles pasados por agua! ¡Como soy muy duro sé que no voy a gustaros, pero cuanto peor os caiga mejor aprenderéis! ¡Soy duro pero soy justo, y aquí no hay ninguna intolerancia racial. Yo no desprecio a nadie porque sea negro, judío, latino o chicano: para mí todos sois igual de insignificantes! ¡Y mis ordenes son acabar con todos aquellos que no sean capaces de dar la talla en mi amado cuerpo, ¿me habéis entendido, capullos?!

-(Todos): ¡Señor, si señor!

-¡Coño, más alto, no os oigo!

-(Todos): ¡Señor, si señor!

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• TITULO ORIGINAL Mon oncle
  AÑO 1958 
  DURACIÓN 110 min.  
  PAÍS: Francia 
  DIRECTOR: Jacques Tati
  GUIÓN: Jacques Tati & Jacques Legrange
  MÚSICA: Alain Romans & Franck Barcellini
  FOTOGRAFÍA: Jean Bourgoin
  REPARTO: Jacques Tati, Jean-Pierre Zola, Adrienne Servantie, Alain Bécourt, Lucien Fregis, Betty Schneider, Yvonne Arnaud

Las películas de J. Tati satirizan la vida moderna, el mundo de la arquitectura y el diseño, siempre son un redescubrimiento excepcional. Tati siempre trabajó al lado de Jaques Lagranje, pintor e ilustrador, fue a quién encargo el diseño de los decorados de sus películas. En Playtime (1967), comentada en otro artículo, la colaboración de lo dos fue total, construyeron una ciudad entera, absurda y delirante, símbolo de la eficiencia y funcionalidad mal entendida. Una ciudad tecnológica que provocaba cómicas situaciones para desesperación de algunos de sus moradores y vanagloria de inexorables tecnológinoicos.

En Mi Tío (Mon Oncle), anterior a Playtime, la casa donde reside la familia del señor Hulot esta compuesta de un jardín con caminos laberínticos y desatinados, la cocina está llena de artefactos inútiles, el mobiliario es de lo más inidentificable y enredoso, se trata de una vivienda dotada de los avances tecnológicos de la época pero incomoda y deshumanizada.

La familia de Hulot esta alienada, carecen de relaciones personales normales ante la imposición tiránica de la domotica. Hubo alguien que eso no lo supo entender o no captó la ironía y se hizo construir en Francia una casa réplica a la de la película.

También me enterado que en Barcelona existe un restaurante “Boite Tati” decorado a la manera del universo Tati. Parece ser que los clientes denotan cierta dificultad al tomar asiento en el local ya que las mesas son unos 10 cm más bajas de lo normal lo que provoca que, a veces, a los camareros se les caigan los platos.

Ir a comer allí es una odisea. Yo no pienso perdérmelo.

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•  
  • Titulo original: Notes on a Scandal - DURACIÓN: 92 min. 
  • DIRECTOR Richard Eyre
  • GUIÓN: Patrick Marber (adaptación de la novela: Zoë Heller)
  • MÚSICA: Philip Glass -  FOTOGRAFÍA: Chris Menges
  • REPARTO: Judi Dench, Cate Blanchett, Bill Nighy, Andrew Simpson, Phil Davis, Michael Maloney, Juno Temple, Max Lewis, Joanna Scanlan, Julia McKenzie, Shaun Parkes, Tom Georgeson, Emma Kennedy, Syreeta Kumar  

Hay amores que matan, nos absorben, consumen. Que te llevan a la perdición. Amores asfixiantes, cargados de angustia y de obsesión. Manipuladores. Egoístas. Decepcionantes.

“Diario de un escándalo” es un duelo entre dos actrices magnificas. Judi Dench (Bárbara), una rara y solitaria profesora de secundaria de un barrio de Londres y Cate Blanchett (Sheba), la nueva y atractiva profesora de arte de la escuela. Barbara tiene como ocupaciones principales alimentar a su gato y llevar un diario escrito. La amargada existencia de Bárbara queda reflejada en la voz en off de su diario, donde nos muestra toda su amalgama de debilidades y obsesiones, es una remilgada y chantajista mujer que se enamora de la bella y grácil Sheba. Las consecuencias de tener como amiga a Bárbara serán una pesadilla para Sheba que aparte, mantiene un romance con un alumno suyo, un muchacho de quince años. Este triangulo, cuadrado o pentágono amoroso, ya que Sheba está casada y tiene dos hijos, está perfectamente desarrollado y nos muestra lo incierto de nuestras relaciones personales. Magnifica película. Para recordar.

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• Dirección: Steven Spielberg.
• Guión: David Koepp. Josh Friedman.
• Música: John Williams
• Reparto: Tom Cruise, Daniel Franzese, Lenny Venito, David Alan Basche, Christopher Evan Welch, John Scurti, Dakota Fanning, James DuMont, David Harbour. 

Tras ver el otro día “la guerra de los mundos” de Steven Spielberg, llegue a la conclusión de lo aterrador que pueden resultar los seres humanos en situaciones límite. Apartándonos de la idea de la conquista de la tierra por unos extraterrestres exterminadores, las secuencias de los supervivientes de la invasión son tremendas y todo lo que se cuenta, va derivando hacía el lado más profundamente pesimista del hombre.
El protagonista, Tom Cruise, un padre divorciado e irresponsable, es testigo sobreviviente de la invasión marciana. En principio, su misión será salvar a sus dos hijos, pero esto provocará la inevitable aventura trágica: la pistola que Cruise tiene guardada y saca de su casa, luego será utilizada para un fin perverso, Cruise que quiere evitar a toda costa que la hija pequeña vea el horrores de lo que está sucediendo, acaba presenciando lo inevitable: como su padre tiene que matar a otro hombre. En fin, no sale bien parada la humanidad de este desaguisado marciano. Lo peor de la película, el final azucarado tan propio de Spielberg.

La película es una adaptación de la famosa novela de H.G.Wells "La guerra de los mundos" escrita en 1898. Anteriormente ya se había hecho una interesante adaptación en el cine en 1953. En aquella ocasión la película fue dirigida por Byron Haskin.

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director: Martin Scorsese.

guión: Paul Schrader.

música:Bernard Herrmann.

fotografía: M. Chapman.

reparto: Robert de Niro (Travis Bickle) Cybill Shepherd (Betsi) Peter Boyle (Wizard) Jodie Foster (Iris Steensma) Harvey Keitel ('Sport' Matthew) Leonard Harris (Senador Charles Palantine) Albert Brooks (Tom).

Por designios de la fortuna y por mi amigo R.R. de la grande P. elijo Taxi Driver para comentar hoy, por esos caminos recorridos en los avatares de la vida, porque a veces, lo que inspira son las personas y otras los sueños de una noche de verano. Y por conocer en persona y leer sus impetuosos escritos, fruto del talento de quien trabaja en una profesión de lo cotidiano, me dispongo en honor a las fuerzas centrifugas de mi mente a disparar letras en la exploración de las pasiones y la invención.

El protagonista de Taxi Driver es Travis Bickle (Robert de Niro), un excombatiente del Vietnam que sufre de insomnio, por lo que se dedica a trabajar por las noches en un taxi en Nueva York, desde donde es testigo de una sociedad putrefacta y de donde saca su propia visión de la realidad. La evolución de la historia va desembocando merced a diversas circunstancias en una espiral de fuego.

Martin Scorsese nos muestra, a lo largo de los paseos en taxi de Travis, la atmósfera de luces de neon y degradación de la ciudad De Nueva York, acompañada de una inolvidable música de saxo. Podría extenderme en los diversos personajes y situaciones que van apareciendo, la inalcanzable Betsy (Cybill Sheperd), la prostituta de trece años Iris (Jodie Foster), el dialogo en el taxi con el candidato a senador, la escena con el guardaespaldas, el momento soberbio de Trevis frente al espejo, la cita con Betsy en los cines porno, las coincidencias con los otros compañeros del gremio, la voz en off de Trevis, la libreta de Trevis donde apunta todo lo que se le ocurre, …en fin prodigiosa. Imprescindible para entender el estado de ánimo de la ciudad de Nueva York.

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Dirección: Luis Buñuel

93 min. blanco y negro.

Guión: Luis Buñuel.

Adaptación: Luis Buñuel y luis Alcoriza.

Asistentes de Dirección: Arturo Ripstein e Ignacio Villarreal.

Reparto: Silvia Pinal, Enrique Rambal, Lucy Gallardo, Claudio Brook, José Baviera, augusto Benedico, Luis Beristáin, patricia Morán, Antonio Bravo, Cesar Del Campo, Rosa Elena Durgel, Nadia Haro, Ofelia Montesco.

La trama va de un grupo de personas que al término de una función teatral van a cenar a casa de una de ellas, después pasan al salón, y por una razón inexplicada no pueden salir de él. A partir de ahí, los personajes de la película, aislados y confusos comienzan a embrutecerse. Desposeídos de todo, quedan ruines, pensativos, provocando todo tipo de enfrentamientos… no pueden comprender ni solucionar su situación.

La imposibilidad inexplicable de satisfacer un deseo sencillo nos ocurre a menudo, cuando por deseos reprimidos estamos encadenados a nuestros propios miedos y a los convencionalismos. Condenados al desarrollo de unas relaciones sociales forzadas e incongruentes es cuando nos saltan los resortes.

Buñuel represento aquí los esfuerzos de unos personajes por salir de una habitación, las elucubraciones son para el espectador, además Buñuel fue introduciendo sueños en sus películas (en "El ángel..." la extraña escena de los corderos debajo de la mesa, el oso deambulando por la habitación, la repetición de dos entradas a la casa por parte de los comensales como si fuera un error de montaje). Igual hacemos en nuestra vida… soñamos, tratando de evitar el aspecto racional explicativo que suele tener la realidad. Los sueños así nos llevan a lugares desconocidos, a situaciones reconocibles pero imposibles y también corremos el riesgo de no volver de ellos. 
El surrealismo tenía un deseo imperioso e irrealizable, cambiar el mundo, transformar la vida. Lo que queda del empeño es el fracaso, pero permanece el libre acceso a las profundidades de lo irracional, a lo que nos hace libres momentáneamente, a la moral personal, nacida del instinto.

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GUIÓN Rafael Azcona, Luís García Berlanga, Ennio Flaiano

REPARTO José Isbert, Nino Manfredi, Emma Penella, José Luís López Vázquez, Ángel Álvarez, María Luisa Ponte, María Isbert, Julia Caba Alba.

 Esta comedia es una de las más divertidas del humor negro español. Tiene momentos soberbios e inolvidables, deliciosamente esperpénticos y absurdos. Autentica obra maestra, eso desde mi punto de vista y el de muchos.

 El delirio va invadiendo al espectador cuando cruelmente el protagonista, un empleado de una funeraria es sorprendido por el padre de su novia en la intimidad y es obligado a casarse. Presionado por la familia heredará el oficio de verdugo de su suegro por lo que tendrá derecho a una vivienda, necesaria para fundar un nuevo hogar. Problema a lo que se ve, latente en nuestra sociedad.

Esta película merece la gloria el cine español. El buen cine es necesario, crea cultura, inquieta las mentes, aviva el seso, alimenta el conocimiento, ect. Luis García Berlanga consigue todo esto, se pasó por el forro la censura y utilizó para ello el sarcasmo que para muchos censores era como una lengua extranjera, despertó las conciencias dormidas. berlanga es tremendo ¡como consigue que los momentos más divertidos de la película coincidan con los más dramáticos!(foto).

Sin parangón.

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Esta buenísima película de suspense es extraña en cuanto a su concepción temporal, en lugar de ser lineal va hacía atrás, a saltos temporales que van encajando las causas de lo ya visto.

El protagonista Leonard Shelby recuerda perfectamente lo ocurrido hace 15 años, pero lo que ocurrió hace 15 minutos no está en su mente, así que recurre a un método poco usual para saber en dónde está, qué hace y qué es lo que busca: polaroids, notas de todos los eventos y tatuajes en su cuerpo con la información relevante e importante. ¿La causa de la necesidad de esto? La esposa de Leonard fue atacada y asesinada en su casa.

Lo inusual de cómo se cuenta la historia y los segmentos que se van entrelazando como una cámara atrás crean confusión, pero cuando se llega al punto que enlaza con el segmento de la historia anterior empezamos a atar cabos…pero es una nueva vuelta a empezar. Es ingeniosa pero este recurso de contar la historia hacía atrás ya fue utilizado en la mejor serie de todos los tiempos: “Seinfeld”, en el episodio 'The Betrayal' (La Traición) (1998), con resultados enormemente similares a los de "Memento" en cuanto a los efectos narrativos. Incluso se llegó al extremo de mostrar los créditos y el nombre del programa al final y el logo de la productora al inicio. 

Dirección: Christopher Nolan.
País: USA.
Año: 2000.
Duración: 116 min.
Interpretación: Guy Pearce (Leonard Shelby), Carrie-Anne Moss (Natalie), Joe Pantoliano (Teddy), Mark Boone Junior (Burt), Russ Fega (camarero), Stephen Tobolowsky (Sammy), Harriet Samson Harris (sra. Jankis), Larry Holden (Jimmy Grantz).
Guión: Christopher Nolan; basado en una historia de Jonathan Nolan

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Intérpretes: Tatiana Samoilova (Veronika), Alexei Batalov (Boris), Vasili Merkuriev (Fiodor Ivanóvich), Alexandr Shvorin (Mark).
El soviético Mikhail Kalatozov rodó en 1957 “Cuando pasan las cigüeñas”. Cuenta el verdadero drama de una historia de amor, frustrada por la Segunda Guerra Mundial. Verónica enamorada hasta el infinito de Boris ve su unión fracasada cuando él, cargado de orgullo patriótico, se va voluntario al frente. Verónica pierde a sus padres en un bombardeo y termina viviendo con la familia de Boris, quienes la admiten como una hija. Termina contrayendo matrimonio con el cobarde y turbio hermano menor de Boris, Mark quien usa su escasa habilidad con el piano para huir del frente y ultrajarla durante un bombardeo. La tensión central del argumento es ese conflicto interno que se manifiesta en todas las acciones de Verónica, esperando noticias de quien ama, pero a quien ha traicionado.
Esta película que vi hace mucho tiempo en el programa de José Luis Balbín, “La Clave”, me impresionó de sobremanera eliminando cualquier luminosidad de alegría. El impacto fue tremendo y es una de esas películas que te dejan un poso amargo pero necesario. Las distintas percepciones de los personajes durante la película impactan y sobrecogen, la transmisión de la potencia melodramática va más allá de las aptitudes del director y se centra en una pura interpretación de Tatiana Samoilova inolvidable. El dibujo de la historia va cobrando fuerza, en toda su intensidad hasta la ironía encastrada en los recovecos de la naturaleza humana.

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Reparto: Marie Rivière, Lisa Hérédia, Vincent Gauthier.
Esta película me ha sorprendido por su naturalidad, parece tan cotidiana, real e inclusive insustancial que es deliciosa, sencilla, comprensible. Es como improvisada. Ante Eric Rohmer tenía mis dudas, un autor calificado por muchos como soporífero pero es muy agradable y recomendado.
La muchacha protagonista lo pasa mal el verano en que transcurre la historia, no la apetece nada, ha sufrido una desilusión y transita por varias situaciones en las que nunca acaba de estar a gusto. “El rayo verde” es un libro de Julio Verne, es también el nombre dado a un fenómeno atmosférico inquietante, y la muchacha se va a ver envuelta fortuitamente con la leyenda que dice que quién ve el rayo verde tiene un indicio del amor verdadero. Uno de los personajes de la novela de Julio Verne, Aristobulus Ursiclos, es felizmente correspondido en la película con un vejete que se encarga de explicar el fenómeno a unas señoras. Esta escena es vital. Después de ver la película, he sentido especial curiosidad por esta novela de Julio Verne.

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Dirección: Walter Salles.

 Interpretación: Gael García Bernal (Ernesto Guevara de la Serna), Rodrigo de la Serna (Alberto Granado), Mía Maestro (Chichina Ferreira), Mercedes Morán (Celia de la Serna), Susana Lanteri (Tía Rosana), Jean-Pierre Noher (Ernesto Guevara Lynch), Lucas Oro (Roberto Guevara), Marina Glezer (Celita), Sofia Bertolotto (Ana María), Facundo Espinoza (Tomás). Guión: José Rivera.

“En 1952, Ernesto Guevara (Gael García Bernal) y Alberto Granado (Rodrigo de la Serna), emprenden un viaje por carretera para descubrir la verdadera América Latina. La película sigue a ambos jóvenes en su viaje de descubrimiento…”.

Sinceramente, Diarios de motocicleta, rompe los mecanismos emocionales y conmueve hasta los sentimientos más profundos. Es la historia de un intenso y apasionante viaje de dos jóvenes a lomos de “La Poderosa”, una motocicleta en la que recorren el continente con la intención de llegar a Venezuela. Como armas para sobrevivir los conocimientos de estudiante de 5º de Medicina que tenía Ernesto y los de Bioquímica de Alberto. El viaje transcurre surgiendo inevitablemente las dolorosas condiciones de vida de la población y las impresionantes manifestaciones de honestidad de la gente. Ante esta representación de la vida y el estado de convencimiento permanente de Ernesto, la realidad condicionará la vida futura de estos personajes. La película transpira algo así como una mirada indeterminada hacía la lejanía del futuro.

El aire que da Gael a su personaje es convincente y como curiosidad, el actor Rodrigo de la Serna es verdadero primo segundo de Ernesto Che Guevara.

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La lucha entre poderes, el enfrentamiento entre el poder civil y el poder religioso. Más o menos, es sobre lo que gira esta magnifica película de casi dos horas y media de duración y eso que era la versión que en España censuraron la que he visto, pues la original es de tres horas.
No hay facilidad tan grande para contar la Historia de Egipto con un realismo exacerbado como lo hace este director polaco. Después de ver esta película, me parecen ingenuos los modos de encarar la temática egipcia por Hollywood, tan disuelta en el poco rigor. Infatigable en su empeño, este director me recuerda de algún modo a S. Kubrick. La utilización de escenarios reales es abundante. Busca de la perfección huyendo del cartón piedra. Las escenas de guerra son calcos de las de “Salvar al soldado Ryan” (1998). Está llena de atenciones al Egipto Antiguo y a impactantes toques de fidelidad. Por ejemplo, no aparece un solo beso en el film porque hasta los griegos no estaban documentados que se utilizasen en el juego amoroso. Utiliza miles de extras que añaden un esplendor y solemnidad inimaginables. Nuestra atención no se desvía ni un momento y repito, dista mucho del perfil de otras películas más conocidas sobre esta temática. Me convierto enteramente a este cine mínimo por su propagación entre las salas de cine pero que es recorrido incansable de la reelaboración meticulosa de la Historia.

El abyecto crimen cometido por tres jóvenes en un cajero automático de Barcelona (España) es un ejemplo más de la violencia sin sentido. Es poco explicativo aludir como a hecho la Defensa de estos jóvenes, a que estos desconocían que el líquido ron el que rociaron a la victima era inflamable o que actuaron bajo los efectos de la absenta.
La película de Stanley Kubrick, “La naranja mecánica”(1971) va sobre esto. La violencia sin sentido solo se justifica por el placer que provoca a quien la realiza. Es una violencia insoportable y no basta utilizar un procedimiento lógico para intentar explicarla. En nuestra sociedad hay claros tipos de este tipo de violencia extrema. Desde la tortura legal encubierta de algunos países hasta el exceso de sufrimiento humano que da sentido a la satisfacción personal de individuos ligados al sadismo o a fenómenos anormales de comportamiento. ¿Cuáles son los factores de nuestro entorno social responsables de reforzar estos fenómenos, de perseguir el sufrimiento intenso a otros seres?. Todo no es evitable pero podrían existir acciones de carácter preventivo que resolverían estas situaciones tan gratuitas. Con nuevas leyes, con nuevos métodos educativos...Soñar solo no sirve.

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Intérpretes : Klaus Kinski (Lope de Aguirre), Cecilia Rivera (Flores de Aguirre), Ruy Guerra (Pedro de Ursua), Helena Rojo (Inés de Atienza), Del Negro (Hermano Gaspar de Carvajal), Peter Berling (Fernando de Guzmán).
Esta película es la historia de Lope de Aguirre, el trastornado conquistador español del siglo XVI que, tras separarse de la expedición de Gonzalo Pizarro, intentó descubrir la mítica ciudad de El Dorado, perdida en el Amazonas.
En su autobiografía “Yo necesito Amor”, el actor Klaus Kinski narra minuciosamente sus hazañas sexuales, se muestra como un ser enredado e irracional, paranoico, amante del lujo, de derrochar dinero a mansalva y que lleva hasta el extremo sus pasiones y su desprecio por los demás, lo que le creó inagotables conflictos a su alrededor. La mirada de absoluta locura que imprime en “Aguirre, la cólera de Dios” no deja lugar a dudas. El rodaje en la selva del Perú fue una odisea. Se dice que Kinski padeció un ánimo exaltado transitorio y tuvo enfrentamientos brutales con el equipo de rodaje. Hubo un indio, un esclavo de Pizarro en el film, que quiso matarle. Werner Hergoz se vio obligado a apuntarle con una pistola para que rodara una escena. Fue tremendo. Fue odiado por todos. El resultado es una película poderosa y la interpretación del encorvado Kinski soberbia, impresionante. La persecución del Dorado acaba en tragedia, en locura infame. Kinski no es ajeno a Lope de Aguirre y parece quedar atrapado por el personaje.

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